МОСХ. Выставка «Скульптура малых форм». Скульпторы Лев Дмитриевич Михайлов и Александр Рябичев
Далее
Далее
МОСХ. Выставка «Скульптура малых форм», Кузнецкий мост, 20. Гость вернисажа Грант Мисакян
Далее
МОСХ, выставка «Скульптура малых форм». Скульпторы Александр Рябичева и Алена Дюжева
Далее
МОСХ. Выставка «Скульптура малых форм» В.Г. Белых «Противостояние». Гранит, бронза, 2006 г.
Далее
Вахтанг I Горгасал
Памятник Святому царю Вахтангу Горгасали
О Святом Вахтанге слагали легенды, в которых воспеты его мудрость, красота, мужество, доблесть,необычайная смелость. Враги с ужасом отступали перед ним. На лбу воинского шлема Вахтанга был изображен волк, а сзади — лев. Завидев шлем с изображениями волка и льва, персы начинали кричать друг другу: «Дур аз горгасар» (Берегись волчьей головы). Отсюда и прозвище царя Вахтанга — «Горгасали».
Одна из легенд: «Необычайно красивый лицом, он мог неутомимо биться в бою. Облачённый в доспехи, во всеоружии, мог взвалить себе на плечи боевого коня и пешим ходом подняться из города (Мцхета) в Армазскую крепость, мог на бегу догнать оленя и скрутить его». В то же время долгими молитвами и ночными бодрствованиями, раздачей милостыни нищим праведно служил пред Богом.
Есть легенда, в соответствии с которой Вахтанг со своей свитой пребывая на охоте нашел теплый источник и решил на его месте основать город — новую столицу. Тбилиси с древнегрузинского так и переводится — теплый источник.
Элитный клуб Ресторан "Горгасали" в Москве
Скульптор Рябичев Александр Даниилович и владелец Заза Михайлович Хундиашвили в клубе "Горгасали" февраль 2012
На фото: скульптор Рябичев Александр Даниилович, владелец Заза Михайлович Хундиашвили. Февраль, 2012 год
Далее
Творческая мастерская Степана Владимировича Мокроусова-Гульельми с 2000 года создает монументально-декоративные и классические произведения для улиц, площадей и парковых пространств Москвы, Санкт Петербурга и др. городов. Ведет преподавательскую деятельность по подготовке для поступающих в художественные ВУЗы и всех желающих.
Студия разрабатывает эксклюзивные дизайн проекты с последующим исполнением в материалах (Бронзе, керамике, дереве, пластике и др.) спортивных кубков, юбилейных медалей, барельефов горельефов, классических и декоративных скульптур и памятных знаков.
Уроки скульптуры, анатомии, живописи, графики.
Подробная информация на сайте скульптора: http://izostudi.ru/about
Далее
УХОДЯ, ОСТАВИТЬ СВЕТ
Наталия Карева "Автопортрет"
Стих неумелый маленькою птицей
Сорвался с уст и передан в уста,
И в этой жизни многое случится,
Но пусть душа останется чиста.
Стихи оказались пророческими. В жизни Наталии Сергеевны Каревой, действительно, многое случилось: была любовь, были трудные поиски пути, первые художественные достижения, желание и трагедия материнства, неудовлетворённость собой, одиночество и неодолимая болезнь. Но случилось и то главное, чем полностью оправдана вся её жизнь, благодаря чему душа её осталась чиста, – это искусство, это постоянное творческое горение, это кропотливое собирание своих сил, возможностей и дарований в создание яркой и уникальной художнической личности.
Говоря о своём неумелом стихе, Наталия Карева с первых сознательных лет преодолевала неумелость, скованность и неуверенность в своём главном призвании, и в этом ей помог не только очевидный талант, но и пытливость характера, желание во всём добиться совершенства, воля к учёбе в любых её видах и формах, как скрытых, так и явных.
Собственно учёба Наталии была сумбурной, малопоследовательной, зависимой от случайностей и жизненных обстоятельств, хотя все недостатки и огрехи учёбы компенсировались в полной мере глубиной её природного дара. Рисовать девочка начала в четыре года, слушая мамины сказки, пристрастившись с раннего возраста к чтению. Не случайно мир волшебной сказки стал впоследствии так привычен и притягателен для художницы. Первым системным направлением в учёбе стали для девочки занятия в изокружке Дома пионеров. Семья в то время проживала в Таганроге, и Наталию начали серьёзно готовить к поступлению в Ростовское художественное училище. Потом была жизнь и учёба в Туле. Далее Н.Карева, переведясь из Ростовского, окончила в столице художественное училище Памяти 1905 года, что соответствовало высшему профессиональному образованию. Но этого ей показалось мало и, уже обосновавшись в Москве, она поступила в знаменитый ВГИК, на художественный факультет. Здесь, очевидно, что-то не сложилось, не совпало с её творческими целями. А, скорее всего, она уже почувствовала себя сложившимся художником, ощутила острое желание с головой уйти в работу…
Так или иначе, учёба во ВГИКе не увенчалась ещё одним дипломом. А самостоятельных работ накопилось уже такое количество (с одновременным высоким качеством), что по их достойному уровню Наталия Карева в 1976 году была принята в Союз художников (секция графики тогдашнего МОСХа). Ей ещё не исполнилось тридцати, и этот наиболее продуктивный, энергоёмкий и романтический возраст она использовала на все сто процентов, чтобы окрепнуть и освоиться в профессии, выработать индивидуальную манеру, «загрузиться» собственными темами и образами, наконец, стать заметной и замечаемой в разнообразной и широкой художественной жизни столицы.
В семидесятые годы Наталия Карева активно участвует в выставках, работает в творческих группах, получает заказы в Комбинате графического искусства, приглашается как художник для сотрудничества в газеты и журналы. Едва перейдя тридцатилетний рубеж, она устраивает первую персональную выставку в Литографской мастерской на Масловке. Автор этих строк побывал на вернисаже и стал свидетелем самых лестных (при этом критически-конструктивных) отзывов весьма авторитетных и именитых коллег. Увы, многих уже нет с нами, но их интерес к творчеству младшего товарища был неподдельным и определяющим главный результат: цех графики пополнился ещё одним оригинальным мастером, рисунки и литографии Наталии Каревой (в основном в жанре портрета) выявили художника со своим неповторимым почерком, со своей уверенной заявкой на будущее.
Жанр портрета навсегда остался любимым, основным, заветным. В нём в особенности полно и наглядно выражался духовный рост, видно было крепнущее мастерство художника. Портретное творчество Наталии Каревой объединяло два параллельных потока: с одной стороны, она выполняла заказные, «комбинатские» портреты (в основном выдающихся деятелей культуры и исторических личностей), с другой стороны, по своей душевной склонности и творческой потребности создавала портреты близких людей, коллег, наиболее интересных и дорогих спутников жизни.
Заказные портреты отличались смысловой ёмкостью образа, безупречным сходством, некоторой сухостью и рациональностью исполнения, но абсолютной точностью и основательностью общего решения. Портреты камерные (так их можно условно назвать в силу задушевности, вольной импровизации, внутренней необходимости и увлечённости сугубо творческой) создавались импульсивно, вдохновенно, в очевидном эмоциональном и рефлекторном напряжении. В этом ряду особенно удачны и впечатляющи портреты коллег-художников: О.Толстого, С.Витухновской, Э.Браговского, И.Шилкина, А.Диллендорфа… Они представлены автором как непосредственные собеседники и давние знакомцы с их особой «изюминкой», с присущей только им мимикой, своеобразной органикой характера.
Карева-поэтесса не могла пройти равнодушно мимо своих кумиров. С каким удивительным пиететом, трепетом линий, архитектоничностью компоновок, музыкальностью общей пластики воплотила она образы Марины Цветаевой и Анны Ахматовой в многовариантных портретах-посвящениях.
Отдельная тема портретного творчества Наталии – признание в любви к Белле Ахмадулиной. Многие годы работая в Доме творчества в Тарусе, в непосредственном соседстве с дачей поэтессы, Карева имела счастливую возможность общаться с Ахмадулиной, делать портретные зарисовки с натуры и бесценные наблюдения для будущего художественного обобщения. Посвящая своей старшей современнице одно из стихотворений, Наталия озаряется метафорой поэзии: «В пустотах мира возникает звук…» Этот внезапно возникающий звук оплодотворяет несколько вариантов образа Б.Ахмадулиной. В каждом из них проникновение в поэтическую суть модели поразительно точное, живое, волнующее целой гаммой переживаний и настроений. Символично то, что в портретах наиболее значимых и дорогих лиц автор не ограничивается графикой (рисунком или печатной техникой), а продолжает поиски образа в живописи, углубляя цветом, фактурой мазка, мелодией ритма своё сокровенное и объёмное представление о портретируемом человеке.
Аналогичная метода присуща и пейзажному творчеству Наталии Каревой. Сначала она видит картину природы в богатстве мелких деталей и бесконечности пересекающихся линий, затем она ощущает её в потоке цвета, в лаконизме и собранности основных живописных отношений. Натурой в пейзаже Каревой послужили природные уголки среднерусской полосы – благословенная подмосковная Таруса, тихие места Вологодчины, города и деревеньки Тульской области, городские виды Казани. Художница почувствовала необъятность и неисчерпаемость пейзажной темы, правильно оценила возможность привнести в неё нечто своё, личное.
Рисунки деревьев и трав, холмистых просторов и речных пойм, дремотных селений и беспорядочных городских окраин были одухотворены нежным поэтическим чувством и отчеканены твёрдым графическим почерком, внимательным к каждой малой примете того или иного ландшафта, той или иной бытовой ситуации. Очарованность обыденностью природы оборачивалась изысканностью её изображения, быстрый и как бы нераздумывающий рисунок превращался то в лирическое стихотворение, то в яркую музыкальную фразу, зафиксированную карандашом и пером.
Какие бы ветры и бури ни бушевали в житейском уголке художницы, её изобразительный мир был гармоничен, светел, прозрачен и драгоценен особым дыханием восторга, переживания, слияния с природой. Сопрягая очередной пейзажный мотив с живописью, Наталия Карева от скрупулёзной, бережной манеры переходила к безудержному фантазийному началу, смело монтировала пространственные планы, давала волю свободному движению кисти, без оглядки на конкретные реалии, без пересчёта ненужных подробностей. Многие полотна содержали чувственный, концентрированный образ природы, это было как сотворение мира, только не в масштабе Вселенной, а в рамках собственного воображения, в границах отдельной и неповторимой творческой индивидуальности.
Наталия Карева "Заговор"
Хорошего художника не портит определённая, и часто неизбежная, раздвоенность его натуры. Одни темы и образы требуют его неистового горения, крайней самоотдачи и углублённости. К другим он подходит как умудрённый опытом профессионал: анализирует, взвешивает, уточняет, компонует. Во втором случае речь идёт главным образом о заказах, о так называемом ангажированном творчестве. Но бывают счастливые случаи, когда ангажементная тема совпадает с творческим интересом автора, позволяет пойти дальше и выше добросовестного исполнительского мастерства.
Так было со многими заказными, договорными работами Н.Каревой. Так она создавала графическую серию, посвящённую Дому-музею А.П.Чехова в Мелихове, увлекаясь единством пластического решения пейзажей, интерьеров, предметной среды и архитектурных форм. Имя Чехова ей много говорило, ведь она была истовой читательницей, её размышления и рефлексии способствовали верному изобразительному решению.
Воспитанная на образцах классической литературы, вскормленная волшебством и магией родного фольклора, Наталия прекрасно справлялась с задачей художественной трансформации русских сказок. Ей легко (несмотря на очевидную трудоёмкость цветной графики) давалась простая и ясная поэтика сказки, уверенно находился ключ стилистического прочтения, талантливо подмечались характерная походка сказочных персонажей и причудливые черты сказочного быта. Словом, сказка оживала, являла чудеса, запоминалась своей напевной кружевной вязью в добротных и по-настоящему красивых листах художницы.
Стоит также обратить внимание на историческую тему в творчестве Наталии Каревой. Она воплощалась в остросюжетных многофигурных композициях, батальных сценах и костюмных презентациях, посвящённых историческим событиям Государства Российского от эпохи Петра до роковых революций ХХ столетия. Начало века, омрачённое гибелью царской семьи, заинтересовало художницу, увлекло масштабом трагедии, и она создала портретную галерею «последних Романовых» по благословению и при поддержке Русской православной церкви.
По работам последних лет видно, но неназойливо, религиозное чувство Наталии Сергеевны. Экспозиция посмертной выставки 2011 года в зале «Колорит» была окутана особой аурой любви и открытости к миру человека, природы, области духа, искусства, поэзии. Ведь, как сказано классиком, поэзия – это скрытая форма религии. Следовательно, Наталия и по настрою души, и по непосредственному делу всей жизни – человек с глубоким религиозным сознанием.
Вспоминается Наташа молодая, красивая, восторженная, доверчивая к похвале и ранимая любой неделикатной мелочью. Помню, с какой симпатией и теплотой смотрел на неё тогда уже известный поэт, а ныне также ушедший незадолго до Наташи, Пётр Вегин в дни наших, увы, коротких и редких встреч. По закону «кольцевой композиции», закончим эту статью четверостишием упомянутого поэта:
У любви гарантий нет –
Это очень скверно, братцы,
Но, уходя, оставьте свет
В тех, с кем выпадет расстаться.
Наталия Карева оставила свой свет во всех нас, кто её знал, кто ощущал силу и нежность её искусства, кто чувствовал талант её личности и красоту её души.
Никита ИВАНОВ
Далее
Вице-президент Российской Академии Искусств. Академик.
Народный художник России, Заслуженный деятель искусств России, член Московского Союза художников, лауреат многочисленных международных премий. Участник первых выставок нонконформистского искусства в г. Москве, начиная с 1974 года. С 1980 года его работы выставляются на международных выставках в Бельгии, Финляндии, Германии, Великобритании, Израиле, Франции, США, Японии, многократно на аукционах Phillips, Bonbams, Christie’s, Phillips de Pury а также в Королевской Академии в Лондоне. Произведения художника находятся в крупнейших музеях и галереях Европы, США, Израиля, Канады, России и других стран.
Народный художник России Евгений Михайлович Зевин по праву находится в авангарде российского изобразительного искусства — и как приверженец яркой, оригинальной школы начала XX века, и как талантливый, профессионально владеющий кистью мастер, адекватно и актуально откликающийся на вызовы современности. Природная любознательность, искренний интерес к людям и их творчеству, его энциклопедические знания по истории живописи вызывает восхищение. И нет такого вопроса, на который он не смог бы обстоятельно ответить. Причем знания Евгения Михайловича — это не какой-то склад фактов и мнений, он размышляет, сопоставляет и выдает запоминающиеся суждения, логически выверенные и точные. Вероятно, свою роль сыграли семейные живописные традиции. Его дядя Лев Зевин учился в Витебске в художественной школе у Ю.Пэна, в народной художественной школе у М.Шагала и К.Малевича, а затем во ВХУТЕМАСе у Р.Фалька. В 1921–1925 годах — участник и один из создателей знаменитой «Группы 13», был одним из ярких представителей авангарда начала XX века.
«Картины Евгения Зевина радуют меня своей праздничностью, необыкновенной яркостью красок, душевной щедростью, юмором и иронией, — говорит друг художника, писатель Фазиль Искандер. — Редкий дар: его насмешка над действительностью лишена злобы и ярости. И это признак, по-моему, мудрости. Есть какая-то мистическая точность, когда художник ее достигает, картина, независимо от ее содержания, утешает, примиряет с жизнью. Я думаю, главная цель искусства — утешать человека, и Евгений Зевин почти всегда достигает этой цели. Его новаторство тут же на месте оплачивается самой верной и самой старинной монетой — талантом».
Огромное значение для Евгения Зевина играет не только сюжет, но и качество исполнения живописного произведения, чувство цвета, контрастность колористических характеристик, точность пластических решений. Во всех его картинах, вне зависимости от изобразительного стиля, даже неискушенному зрителю бросается в глаза этот тщательный, кропотливый труд по доведению полотна до совершенства.
Настойчивое желание идти своим путем, бескомпромиссное отстаивание собственных взглядов на предназначение художника, свой живописный почерк, свое образное отображение действительности и своего времени долгие годы делало Евгения Михайловича «неудобным» для официальных властей. Его участие в выставках нонконформистов начиная с 1970-х годов, в том числе на «квартирных выставках», одним из инициаторов которых был Оскар Рабин, и в знаковой «манифестации» в Измайловском парке осенью 1974 года приносили массу неприятностей. Однако коллеги по цеху, вопреки давлению невежественного партийного начальства, видели в Евгении Зевине состоявшегося художника. В 1974 году он был принят в молодежную секцию МОСХа, а когда в 1978 году его принимали в Союз художников, то рекомендации дали такие уважаемые и всемирно известные художники, как Иван Сорокин, Павел Никонов, Эдуард Браговский.
После поступления в Союз художников более 10 лет Евгений Михайлович был художественным руководителем творческой мастерской и членом художественного совета МХК Московского союза художников, а в дальнейшем заместителем председателя Комиссии по художественным комплексам МОСХа и заместителем председателя Объединенного комплексного Совета города Москвы. Из его мастерской вышла большая плеяда известных художников, и в настоящее время эти художники выставляются в Выставочном зале Российской Академии Искусств, художественным руководителем которого является Евгений Зевин.
В конце 1980-х годов к Евгению Зевину пришла заслуженная международная известность. Поистине, вышло по евангельской фразе «Нет пророка в своем отечестве». Картины художника оценили вначале на Западе — он выставлялся в Хельсинки, Брюсселе, Лондоне, Нью-Йорке, Париже, Берлине, Барселоне и Эдинбурге. Зарубежная пресса постоянно публикует работы Евгения Михайловича, пишет о нем, признавая его последователем традиций русского авангарда и их продолжателем. Полотна мэтра многократно имели успех на самых известных в мире лондонских аукционах изобразительного искусства, таких как Philips, Bonhams и Christie’s. В 1992 году с большим успехом картины Евгения Зевина экспонировались в Британской Королевской академии на выставке «Художники России — новое поколение». А в 1994 году он был участником обширной экспозиции «Образы советского искусства 1950–1980-х годов», проходившей в Русском музее в Санкт-Петербурге. Ряд картин вошли в антологию российского искусства с аналогичным названием, а также в книгу «Русские художники XVIII–XX вв.».
Произведения художника находятся в крупнейших музеях и галереях Европы, США, Израиля, Канады и других стран.
«В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление, — объясняет собственную творческую позицию Евгений Михайлович Зевин. — Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору. Меня часто приглашают на выставки, в основном зарубежные. Участвую в престижных аукционах. Мои картины покупают, они находятся в музеях, галереях, в частных коллекциях. Но я не стремлюсь во что бы то ни стало продать картины. Напротив, мне жаль расставаться с ними. Мне больше нравится, когда они находятся в моей мастерской. Я люблю их рассматривать, соотносить с вновь написанными, они помогают мне в моих творческих поисках». В творческой биографии художника более 100 выставок как в России, так и за рубежом.
Свою творческую работу Евгений Зевин активно совмещает с общественной деятельностью, являясь одним из учредителей и вице-президентом Российской Академии Искусств со дня ее основания, а также художественным руководителем Выставочного зала Академии. Практически ни одно мероприятие Академии не проходит без его участия.
Все это, безусловно, является признанием его высокого профессионального мастерства и значимости как одного из современных художников, сумевшего выразить в своих произведениях существенные черты нашего времени.
Статья из книги
«Российская Академия Искусств -ХХ-ХХI века»
Далее
В мастерской Валерия Кравченко
Даже короткое общение со скульптором Валерием Кравченко становится запоминающимся событием. Он не только талантливый скульптор, но и интересный рассказчик, сам открытый для всего нового с удовольствием делится своими впечатлениями в искусстве, и его собственная увлеченность захватывает и собеседника — об известных мастерах Кравченко рассказывает так, что их жизнь и произведения предстают неожиданно в новом свете. И в этом, возможно, проявляется его многолетний опыт творческой работы с детьми, которых он обучает искусству керамики, живописи, скульптуры, ландшафтной архитектуры, и которым он непременно спешит рассказать обо всем, что увлекает его самого в искусстве.
Валерий Кравченко с восторгом отзывается о фантастических проектах культовой британской леди-архитектора Заха Хадид, искренне восхищается работами своих коллег-современников, и древней эстетикой японских садов, которая читается и в его собственном творчестве, воссоединившем гений природы и таланты мастера. К натуральным материалам — глине, камню, дереву Валерий относится с особенным благоговением, и этот пиетет еще более одухотворяет созданные им скульптуры.
Валерий Кравченко. Выставка лето 2011г.
«Я стараюсь сохранить каждую трещинку дерева, каждый рисунок фактуры, обыграть, а не скрыть то, что может показаться неидеальной поверхностью», — говорит скульптор, и это всегда помогает его идее приблизить зрителя через воплощенные образы к проявлениям совершенства природы. Несмотря на опыт, новая работа — всегда волнение. «Делаешь первый удар по дереву, — признается Валерий, — «и понимаешь, что не имеешь право на ошибку, испортить — это преступление. Каждый раз помнишь, что природа — венец всего. Нет ничего выше ее творений».
В скульптурной мастерской Валерия Кравченко в центре Москвы переступающего порог гостя встречают персонажи уникальной коллекции скульптора, созданные им в бронзе, из дерева, керамики, и напоминающие о том, что у каждого из нас всегда есть замечательная возможность отвлечься от шума и проблем мегаполиса хотя бы на время, созерцая прекрасное, и что современный мир суетный и жесткий еще сохраняет свою бесценную душу, благодаря искусству и творчеству.
За окном видится сад, который Валерий Кравченко мечтает превратить в сад камней и скульптур, чтобы сделать этот уголок природы перед окнами своей мастерской еще одной достопримечательностью города.
ВАЛЕРИЙ КРАВЧЕНКО. В МАСТЕРСКОЙ СКУЛЬПТОРА, ЗИМА 2012 г. ВЫСТАВКА В МУЗЕОНЕ, ЛЕТО 2011, ПРОИЗВЕДЕНИЯ СКУЛЬПТОРА ВАЛЕРИЯ КРАВЧЕНКО
Далее
Сто лет назад Лев Толстой писал Махатме Ганди о том, что любовь «есть высший и единственный закон человеческой жизни . В своём произведении «Закон насилия и закон любви» он говорит: «Будь добрым и не противодействуй злу силою». Этот принцип повелевает воздерживаться от мнимых обид, от возмездия, считает необходимым прощение, любовь вместо мщения во всех без исключения случаях. «Тот, кто хоть раз испытал радость отплатить добром за зло, тот никогда уже не пропустит случая получить эту радость», — писал Толстой. Непротивление злу силой Толстой считал важнейшим нравственным жизненным законом, которому следовал сам. Для Ганди идея ненасилия стала не только этическим учением, но и ориентиром общественно-политического движения. Живя в разных разных концах земли, Лев Толстой и Махатма Ганди — русский мыслитель и идеолог освобождения Индии – создали особенную этику непротивления и ненасилия, которая с тех пор находит многих своих последователей.
Уникальная переписка Льва Толстого и Махатмы Ганди попала в Россию из Мемориального фонда Махатмы Ганди несколько лет назад и легла в основу федерального культурно-просветительского проекта «Открой доброте свое сердце». Философская переписка стала частью выставки «Махатма Ганди – Лев Толстой: уникальное наследие», открывшей в Москве проект Международной программы «Парад творческого наследия России и Индии» в Московском доме национальностей.
Людмила Секачева руководитель проекта, директор некоммерческого партнерства «Мир традиций»: «Когда Ганди был еще молодым юристом, он прочитал книгу Льва Толстого «Царство Божие внутри Вас» и эта книга очень изменила всю его жизнь, положила начало великой идеи, которую мы сегодня продолжаем, в соавторстве с философами можно добиться в жизни очень многого, относясь к миру с добром и любовью».
Кришна Рой участница проекта: «Два философа дали нам возможность понять, как можно сохранить мир, именно сохранение мира, доброты, любви, взаимопонимания — есть самое главное из всех философских учений».
В последние годы жизни Лев Толстой занялся углубленным изучением культуры и традиций Востока. Наиболее близкой мировоззрению писателя оказалась Индия. Выражаясь современным языком, Толстой синтезировал западные и восточные подходы к проблеме ненасилия и непротивления. Все учение Иисуса Христа, по мнению Толстого, является метафизикой и этикой любви. «То, что любовь есть необходимое и благое условие жизни человеческой было признано всеми религиозными учениями древности. Во всех учениях: египетских мудрецов, браминов, стоиков, буддистов и других, дружелюбие, жалость, милосердие, благотворительность и вообще любовь признавались одною из главных добродетелей». Однако только Христос возвысил любовь до уровня основополагающего, высшего закона жизни, дал этому закону адекватное метафизическое обоснование, суть которого состоит в том, что в любви и через любовь в человеке обнаруживается божественное начало.
Людмила Секачева: «Толерантность – мы считаем, такое действо, к которому человек идет осознанно и должен подготовить себя этому служению. Толерантность – это высшее искусство людей, и Махатма Ганди и Лев Толстой оставили нам высокие нравственные ориентиры на пути нашего совершенства».
С конца 2009 года проект осуществили в пяти регионах России: Москве, Тульской, Архангельской и Тверской областях, Ямало-Ненецком автономном округе. Организаторы утверждают, что выбирают территорию исключительно «по внутреннему убеждению», причем в приоритете именно отдаленные, «сложные», районы страны. Поэтому жителям регионов предлагается не только воочию увидеть переписку просветителей, но и самим ответить на вопрос «Что такое доброта?» – в рамках мероприятий проводится тематический конкурс.
Далее