Игорь Пчельников. «Двое». 2012 г. Выставка в Российской Академии художеств
Далее
Игорь Пчельников.
Персональная выставка в Российской Академии художеств
4 сентября 2012 г.
Выставка работает до 23 сентября 2012
Пречистенка, 21, залы Российской академии художеств
Народный художник РФ, член-корреспондент Российской академии художеств Игорь Пчельников (род. 1931) – один из крупнейших современных мастеров живописи и монументального искусства. В 1956 году окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище имени В.И.Мухиной. В составе творческой группы молодых художников — «шестидесятников» создал росписи, рельефы, мозаики во Дворце пионеров на Ленинских горах. В 1970-е – 1980-е годы выполнил такие яркие и зиачительные произведения как цветные рельефы в Посольстве СССР во Франции и в интерьерах санатория «Южный Форос» в Крыму, объемно-пространственную композицию в ресторане гостиницы «Москва» (в соавторстве с И.Лавровой) и другие. Преображая своей изобретательной фантазией и элементами игры интерьеры общественных зданий, они делами их неузнаваемыми и неожиданными. В работах художников царила свобода творческой мысли, раскованность и красота. Одна из последних работ И.Пчельникова в монументальном искусстве – замечательный фонтан на площади у Рижского вокзала в Москве (в соавторстве с М.Красильниковой), 2007 год.
В станковом творчестве, многогранно представленном в экспозиции, художник поражает глубиной и силой создаваемых образов, искренностью, обостренным чувством цвета и пространства.
Игорь Пчельников. «Крест отца». 1997 г.
С конца 1980-х годов Пчельников обращается к евангельской теме. Такие картины как «Несение креста», «Снятие с креста», «Лестница», «Моисей», исполненные драматизма, истового сопереживания, передают накал страстей современного мира. Художник трактует их в философском контексте, видит в них возможность по-новому, более глубоко и остро поднять темы человеческого бытия.
Пчельников драматически переживает значительные или только ему заметные события, «дающие толчки для пластических рассуждений», в которых он выходит за рамки сугубо личных взаимоотношений с действительностью, и его работы обретают метафорическое звучание..
Мотивы живописи просты – сад зимой, деревня, дороги, портрет друга, автопортрет. Кажется, в них ничего не происходит, но они вызывают ощущение событийной значимости. Напряженный нерв живописно-пластических и пространственных взаимодействий, конфликт противоположных начал задевает зрителя за живое.
Большое место в творчестве Пчельникова занимают пространственные композиции – деревянные конструкции, включенные в общую игру формы и цвета.
В экспозицию вошли произведения живописи и графики, созданные, в основном, в последние годы.
Игорь Пчельников. «Тени на снегу». 2011 г.
Игорь Пчельников. «Двое». 2012 г. Выставка в Российской Академии художеств
Игорь Пчельников в Российской Академии художеств. 4 сентября 2012 г.
Далее
В залах Российской академии художеств – Галерея искусств Зураба Церетели (ул. Пречистенка, 19) открыта уникальная выставка «Народная икона», на которой представлены экспонаты из музейных и частных собраний. Впервые в России народная икона будет показана в музейном пространстве столь широко. В прошедшем году состоялись две выставки, посвященные народной иконе – в Кирилло-Белозерском историко-архитектурном и художественном музее-заповеднике и в Музейном комплексе села Вятское Ярославской области, вызвавшие, невзирая на их скромные масштабы, огромный интерес у публики и специалистов,.
В составе выставки в Москве – около 400 экспонатов более чем из 30 коллекций. Географические координаты проекта простираются от Сибири до Эстонии.
Экспонаты покажут Государственный научно-исследовательский институт реставрации, Ярославский государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник, Церковно-археологический музей Православного Свято-Тихоновского гуманитарного университета, ведущие собиратели искусства и знатоки иконописи – Евгений Ройзман, Александр Ильин, Вячеслав Момот, Михаил Чернов и многие другие.
Культурный пласт, подходящий под определение «народная икона», включает в себя не только традиционные для иконописи произведения живописи на доске, но и изображения на холсте, искусство финифти, меднолитую пластику, вотивные подвески и предметы народного и религиозного быта. Все грани этого уникального явления российской культуры можно будет увидеть в залах на Пречистенке.
Трудно переоценить общественную и научную значимость проекта, куратором и руководителем которого является доктор искусствоведения Ирина Бусева-Давыдова, известный исследователь иконописи. По ее словам, «народная икона лишь относительно недавно стала объектом коллекционирования и изучения, поэтому до сих пор не сложилось единого понимания термина, нет определенности в вопросах о времени возникновения этого феномена, о социальной принадлежности и творческом методе мастеров, о взаимоотношении понятий «народное», «самодеятельное», «ремесленное», «профессиональное», «наивное», «примитив». В «деревенских» иконах обычно видели только упрощенный вариант высокого иконописания, не обладающий самостоятельной художественной ценностью.
Однако народная икона, вне всякого сомнения, является неотъемлемой частью народного искусства и народной культуры, которые не сводятся к примитивизации культуры и искусства верхних слоев общества.
Иконы, созданные бесхитростными «богомазами», играли огромную роль в жизни русского народа, отражая основополагающие представления о святом и прекрасном».
Выставка продлится до 16 августа
Пресс-служба Российской Академии Художеств
тел.(495) 637-4771, 637-2569, e-mail: adv@rah.ru; adv2@rah.ru ; rah1757@yandex.ru
Далее
Зураб Церетели. Из серии "Горожане"
Организаторы- Администрация Красноярского края, Администрация г.Красноярска, Российская Академия художеств, Красноярский художественный музей им.В.И.Сурикова.
Жители Красноярска уже имели возможность познакомиться с творчеством Зураба Церетели – монументалиста, благодаря экспонировавшейся здесь в этом году представительной фотовыставке. Установленные в России, во многих странах мира его скульптурные композиции, посвященные выдающимся деятелям культуры, политическим деятелям, историческим событиям стали своеобразным культурным мостом между народами различных государств.
Выставка представит произведения художника, демонстрирующие его виртуозную технику и многогранность дарования. Живописные полотна – портреты, натюрморты, с наибольшей силой, воплощающие творческий темперамент, жизненную энергию мастера, графические произведения, в которых проявился его дар экспериментатора, уникальные красочные объемные эмали, которым нет аналогов в мире, бронзовые рельефы, серии скульптуры малых форм являют картину поистине грандиозных масштабов.
Выставка продлится до 19 июня 2012 года.
Далее
В залах Российской академии художеств по адресу: ул.Пречистенка, д.21 открылась выставка произведений народного художника Российской Федерации действительного члена Российской академии художеств Ивана Сорокина (1922 – 2004).
На выставке представлены живописные работы разных лет.
Иван Васильевич Сорокин – выдающийся мастер современного отечественного искусства.
Прирожденный живописец, он был одним из самых ярких и самобытных мастеров московской школы живописи с ее культурой цвета и свободной, эмоциональной манерой письма. Уже в ранних работах художника проявился его мощный живописный темперамент, он видел и передавал на своих полотнах мир ярким и праздничным, наполненным светом, воздухом, простором.
Иван Васильевич Сорокин родился 21 мая 1922 года, в день Иоанна Богослова, в с. Гавриловском Московской области (б. Рязанской губернии). В годы войны окончил инженерное училище, воевал на 1-ом Прибалтийском фронте. Затем в качестве военного художника был на многих фронтах Великой Отечественной войны. В 1945 году поступил в Московский художественный институт им. В.И.Сурикова.
В своих пронзительных, искренних полотнах Иван Сорокин не бытописует, а передает особую, глубинную правду жизни. Россия, ее люди, история, ее непростая судьба бесконечно волнуют художника. Непосредственно и поэтично в его полотнах «оживает» повседневная жизнь русской провинции. Он любил писать народные праздники, гуляния, шумные базары и ярмарки. И рядом – другие по тональности пейзажи: тихие улицы маленьких городов с их неторопливым ритмом жизни. С проникновенным лиризмом он передает неброскую красоту среднерусской природы с ее теплыми, спокойными красками. Стоит отметить пейзажи села Усолья под Переславль-Залесском, где он жил и работал более 20 лет.
Незабываемое впечатление произвели на художника поездки в Новгород, Псков, Мордовию. Он открыл для себя напряженный колорит северной иконописи, красоту деревянной и белокаменной архитектуры Севера. Им также создана серия живописных и графических произведений, связанных с пушкинскими местами. Это пейзажи Болдина, Михайловского, Петербурга и его окрестностей.
Полнокровное, темпераментное творчество Ивана Сорокина наполнено той высокой духовной свободой, которая позволяла художнику писать то, что хотел, что любил, к чему лежала душа, что отвечало его жизненным и нравственным принципам.
Выставка работает до 17 июня 2012 года.
Далее
15 марта в 17 часов в выставочных залах Российской академии художеств по адресу: ул. Пречистенка, 21 состоится открытие выставки произведений члена-корреспондента Российской академии художеств, заслуженного деятеля искусств РФ Тимура Дидишвили «Театр в чемодане».
В экспозицию вошли произведения театрально-декорационного искусства, живописи и графики, в основном, последнего десятилетия.
После окончания Тбилисской академии художеств, где Т.Дидишвили обучался керамике, театрально-декорационной живописи, графике под руководством В. Григолия, С. Кобуладзе, В. Шухаева, Р. Иашвили, в 1966 г. художник переезжает на Дальний Восток, в город Магадан.
Именно там произошли знаковые встречи и важные события его творческой биографии. Первый спектакль в качестве театрального художника в Магаданском музыкально-драматическом театре, дружба с писателем Юрием Рытхэу и поэтом Игорем Кохановским, знакомство с легендой русской эстрады ссыльным певцом Вадимом Козиным. Потом были Сибирь и Южный Урал. С 1972 г. Т.Дидишвили работает главным художником Новосибирского Театра юного зрителя.
В 1982 — 1996 гг. – главный художник Челябинского театра драмы. Это были годы театральных новаций и сценических экспериментов. И способность художника преображать привычное в необычное путем изобретательной трансформации одного предмета в другой оказалась очень востребованной. Оформление Дидишвили во многом определяло звучание спектаклей, он умел создавать единый образ театрального действия в соавторстве с режиссером.
Тимур Дидишвили — автор более ста постановок русской, грузинской, европейской, американской драматургии. Среди них – спектакли: «Чайка», «Король Лир». «Виндзорские насмешницы», «Самоубийца», «Царствие земное», «Любовь Яровая». Не менее интересны его живописные произведения, которым он отдает предпочтение в последнее десятилетие.
Мир картин Дидишвили причудлив и многомерен, полон движения и бесконечных метаморфоз. Даже в станковых работах он остается театральным художником, по-особому чувствующим пространство, которое непрерывно изменяется и наполняется все новыми и новыми смыслами.
Т.Дидишвили награжден золотой медалью Российской академии художеств. Лауреат премии ВТО.
Работы Дидишвили находятся в художественных музеях Москвы, Тбилиси, Новосибирска, Магадана, Челябинска, Магнитогорска, а также в частных коллекциях в разных странах.
Выставка работает по 2 апреля 2012 года.
Далее
Образ Академической творческой мастерской скульптуры под руководством ВЛАДИМИРА ЕФИМОВИЧА ЦИГАЛЯ сопоставим с произведением одного из самых оптимистичных его учеников — СЕРГЕЯ СЕРЕЖИНА «БЕГ ЛЕОНАРДО» (2005). Неутомимый, неугомонный Леонардо в пути, в движении, в непрестанном поиске новых открытий, новых изобретений, новых встреч с тайнами природы и материи. Его сверхвелосипед опережает время, мчит творца к далеким неисследованным горизонтам.
Мастерской скульптуры исполнилось 20 лет, и «Горизонт Леонардо» стал еще более всеохватен, всеобъемлющ и притягателен.
Создание Академической творческой мастерской скульптуры под руководством Цигаля — явление закономерное и значимое в истории отечественной скульптуры. Ученик Домогацкогго, Шадра, Матвеева, Цигаль передает другим поколениям и другой эпохе традицию русской скульптурной школы. Суть в том, что искусство скульптуры осознается не только как профессия, но как призвание, служение, миссия. Это неотъемлемая часть жизни и внутренняя необходимость.
Владимир Ефимович Цигаль — свидетель и участник великих и трагических исторических событий. Его характер, жизненную и творческую позиции сформировала Великая Отечественная война. Искусство Цигаля в высшей степени автобиографично, главными темами его творчества стали жизнь и смерть, судьба и провидение, страдание и сострадание, мужество и самопожертвование.
Владимир Ефимович Цигаль родился 17 сентября 1917 года в Одессе, в 1927-1930 гг. учился в пензенской школе, в 1930 переехал в Москву, в 1937 поступил в Московский государственный художественный институт имени В.И. Сурикова, на факультет скульптуры. его учителями были выдающиеся скульпторы Иван Шадр, Владимир Домогацкий, Александр Матвеев.
В 1942 году, с дипломного курса института Цигаль добровольцем ушел на фронт, до 1944 года служил во флоте в качестве военного художника. Участвовал в высадке десанта в Новороссийск и Керчь, в боевых операциях Черноморского и Балтийского флотов.
После войны, в 1948 году окончил Суриковский институт по мастерской Р.Р.Йодко.
На многие годы главной, решающей стала для художника тема Великой Отечественной войны, с ней связаны основные монументальные работы, ей посвящены многие станковые скульптуры и графические серии.
В скульптуре «Военный художник» (2000) Цигаль создал свой автопортрет военных лет, автопортрет-воспоминание. Художник балансирует на взрывоопасном пьедестале — взрывной мине. В его руках блокнот и карандаш. Он делает быструю документальную зарисовку с натуры. Художник вступает в спринтерский поединок с чрезвычайными, непредсказуемыми, угрожающими обстоятельствами.
Эта скульптура — одновременно и метафора и яркий, неопровержимый документ времени. В своей автобиографической книге «Не переставая удивляться…Записки скульптора» (1986) Цигаль с поразительной силой, почти физически ощутимой достоверностью воссоздал страшные и героические картины штурма новороссийского плацдарма в феврале 1943 года. События, участником которых выпало стать Цигалю, воссозданы по дням, часам и секундам, ибо в непрерывной ожесточенной схватке все решают секунды.
Торпеда и мина стали для Цигаля не абстрактными, но реальными символами смерти. Вот поразительный эпизод: художник на боту тральщика, перевозящего раненых бойцов с огненного новороссийского рубежа в Геленджик, и, как бывает во сне, почти касаясь борта, прошла торпеда. «И я увидел смерть. Она быстро проскользнула темной тенью. Бесконечно длинная и темная/…/ «Вся жизнь на войне, как запутанный сложный лабиринт, — пишет художник. — Где то пространство между вилками пулеметных очередей и дождем смертоносных соколков, в котором можно остаться живым, не сделав только один лишний шаг в сторону, вперед или назад, шаг, который станет роковым?»
В Геленджике Цигаль рисовал матросов весь день по пятнадцать-двадцать минут. Рисунки предназначались для газеты «Красный Черноморец», для листовок и для самих бойцов, которые посылали свои боевые портреты родным. «Ну запиши меня в историю!» — сказал один из матросов. В Новороссийске Цигаль рисовал в полуразрушенных строениях, рядом сидели и лежали раненные бойцы, вокруг свистели и разрывались снаряды.
За годы войны художник сделал более 600 фронтовых рисунков. Большая часть из них ныне хранится в военных музеях в Новороссийске и Геленджике.
Создавая в 1960-1980-е годы монументы героям Великой Отечественной войны, Владимир Ефимович, по его словам, призывал в помощники не только свой опыт, способности, чувства, все силы, но и память.
Цигаль создал ряд мемориальных ансамблей, посвященных Великой Отеественной войне: — памятник жертвам фашизма в Маутхаузене, совместно со скульптором Львом. Кербелем (1957г.); — мемориал советско-польсого боевого содружества (1967, Белоруссия); — мемориальный комплекс «Героям гражданской войны и Великой Отечественной войны 1941-1945 гг.) в Новороссийс ке (1977-1982, архитекторы Я.Б.Белопольский, Р.
Г. Кананин и В.И. Хавин).
Эти ансамбли стали неотъемлемой частью монументального искусства XX столетия. Не менее значимы и портретные памятники героев Великой Отечественной войны: — памятник Герою Советского Союза генерал-лейтенанту Д.М.Карбышеву в бывшем немецко-фашистском концлагере в Маутхаузене (1962, Австрия); — Герою Своетского Союза Мусе Джалилю в Казани (1966); -генарлщ-лейтенанту Д.М. Карбышеву в Москве (1980); — Рихарду Зорге в Москве (1985), и в Баку (1981). «Разные люди, разные судьбы, по-разному они жили, боролись, по-разному встретили смерть. Для истории это уже не генерал, офицер или солдат, а люди, ставшие совестью поколений. И моей мечтой было возвращение их в строй в мраморе, бронзе, граните» — говорит художник.
Создание монументального портрета — это тоже поединок, наряженная внутренняя интеллектуальная борьба за рождение и торжество лучшего, правдивого, документального, психологически мощного образа. Мучительный вопрос — каким должен быть монументальный портрет генерала Дмитрия Карбышева.
Цигаль долго искал образ и понял, что Карбышев должен быть красив и драматичен в своем великом подвиге, красив и величествен перед своими мучителями и страшен для них силой своего духа. «Должен олицетворять мужество и красоту сотен и тысяч людей, которые боролись и безвестно погибли. Он должен быть таким, и я абсолютно уверен, что он был таким.
Пусть он твердо стоит на ногах, стиснув руки и кубы, величественный и сильный, пусть он навечно останется стоять, как символ мужества, бесстрашия, несгибаемой воли. Пусть он будет символом для живых.»
Цигаль убежден, что нельзя втискивать в каноны прошлого (фигура на постаменте в соотношении один к одному) всех тех, кому сооружаются памятники. Герои, Которым возводят памятники, внесли что-то важное, значительное, неповторимое в нашу жизнь. И недостаточно видеть их различие только в портрете, в движении или одежде. Ординарность композиции всегда нивелирует это различие!
СЕРГЕЙ ОРЛОВ. «Не переставая удивляться. Владимир Цигаль и ученики».
Далее
РОССИЙСКАЯ АКАДЕМИЯ ХУДОЖЕСТВ ПРЕДСТАВЛЯЕТ ВЫСТАВКУ «ИСКУССТВО СКУЛЬПТУРЫ: МАСТЕРСТВО И ВДОХНОВЕНИЕ», ПОСВЯЩЕННУЮ 20-ЛЕТИЮ АКАДЕМИЧЕСКОЙ ТВОРЧЕСКОЙ МАСТЕРСКОЙ ПОД РУКОВОДСТВОМ ВЛАДИМИРА ЕФИМОВИЧА ЦИГАЛЯ.
СЕРГЕЙ ОРЛОВ. «НЕ ПЕРЕСТАВАЯ УДИВЛЯТЬСЯ. ВЛАДИМИР ЕФИМОВИЧ ЦИГАЛЬ И УЧЕНИКИ» Из статьи к выставке.
Образ Академической творческой мастерской скульптуры под руководством ВЛАДИМИРА ЕФИМОВИЧА ЦИГАЛЯ сопоставим с произведением одного из самых оптимистичных его учеников — СЕРГЕЯ СЕРЕЖИНА «БЕГ ЛЕОНАРДО» (2005). Неутомимый, неугомонный Леонардо в пути, в движении, в непрестанном поиске новых открытий, новых изобретений, новых встреч с тайнами природы и материи. Его сверхвелосипед опережает время, мчит творца к далеким неисследованным горизонтам.
Мастерской скульптуры исполнилось 20 лет, и «Горизонт Леонардо» стал еще более всеохватен, всеобъемлющ и притягателен.
Создание Академической творческой мастерской скульптуры под руководством Цигаля — явление закономерное и значимое в истории отечественной скульптуры. Ученик Домогацкогго, Шадра, Матвеева, Цигаль передает другим поколениям и другой эпохе традицию русской скульптурной школы. Суть в том, что искусство скульптуры осознается не только как профессия, но как призвание, служение, миссия. Это неотъемлемая часть жизни и внутренняя необходимость»…
Из статьи СЕРГЕЯ ОРЛОВА к выставке «Искусство скульптуры: мастерство и вдохновение».
Далее
«Отец был бы счастлив, — улыбается Альбина Георгиевна, если бы узнал, как много сегодня меня связывает с его Родиной, как я люблю Грецию».
В страну тысяч островов, древних храмов и вечных солца и моря художник Альбина Акритас отправляется каждый год за вдохновением, по зову сердца. «История Психеи» — настенная роспись в Белом зале Российской Академии художеств —одна из самых значительных работ художницы, для которой краски автор готовила вручную, по рецептам старых мастеров. «Великолепные образы античных притч я встречаю каждый день, — говорит Альбина — среди случайных прохожих, в лицах своих друзей».
«Бережное отношение к натуре» — так это звучит на профессиональном языке художников и искусствоведов, а зритель просто видит, как сильно влюблена Альбина Акритас в мир и в людей.
Она посвящает свое творчество Греции, России, Франции, Испании, Человеку, Природе. Библейские темы, старинные легенды, сюжеты наших дней в картинах Акритас составляют вечную суть мира. Она читается в изображении Богоматери с младенцем и в современных натюрмортах, в картинах, напоминающих фактурой фрески и в классической живописи.
Альбина Акритас — прекрасный поэт, автор нескольких сборников стихов, таких же эмоциональных и ярких, наполненных прямым обращением к современникам, как все ее художественное творчество.
Ее душа там, где гармония. Ее любят в Греции, которой она мечтает подарить большую коллекцию своих работ, в Японии, США, России, где творчество представлено в самых главных Музеях страны. Для художника нет границ ни в пространстве, ни во времени. Ее любимые Александр Пушкин, Анна Ахматова и Фаина Раневская в одной картине «Игроки» легко и изысканно иллюстрируют этот замечательный факт.
Альбина Акритас с Александром Рябичевым и Софией Загряжской на выставке в Российской Академии художеств.
ВЫСТАВКА АЛЬБИНЫ АКРИТАС В ЗАЛАХ РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ НА ПРЕЧИСТЕНКЕ, 21
22.02.2011 — 13.03.211
Альбина Акритас с греческими друзьями на своей персональной выставке в залах Российской Академии художеств.
Татьяна Назаренко и Александр Рябичев на открытии выставки Альбины Акритас 22 февраля 2011 г.
Далее