Валерий САХАТОВ. Афиша выставки в РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ИСКУССТВ
Далее
«Мал золотник, да дорог» — так говорят в народе. Юрия Викторовича Злотю «малым» никак не назовешь. Это художник с большой буквы, скульптор, вобравший в себя, вдохнувший полной грудью всю широту мира. Его личная география – родной город Кишинев, Петербург, (Высшее промышленное училище им. В. И. Мухиной), Хабаровск (аспирантура Академии художеств России), Красноярск, где скульптором были поставлены памятники В.И. Сурикову и А.Г. Поздееву. Именно там, на берегу могучего Енисея, Злотя состоялся как мастер. Ныне Юрий Викторович живет в Подмосковье, слушает соловьёв и творит, по словам самого художника, «чистой энергией созидания».
«Актуальность традиций» — так называлась выставка скульптуры и графики Ю.В. Злоти, проходившая в Музее истории Мещанского района (ГБУК г. Москвы «Музей «Садовое кольцо») с 22 сентября по 5 октября 2011 года. Обратиться к традициям, чтобы поднять свое искусство до нового уровня – вот главный лейтмотив выставки. Некоторые могут посчитать Злотю традиционалистом. На самом деле, он — новатор, не боящийся ни сложных тем, ни новых для себя техник, ни новых трактовок.
Юрий Злотя. Чудесное дерево.
Отдельный разговор – это графика Злоти.
Графика сильная, мощная, лаконичная и яркая. Как признается автор, натура его мало интересует. Гораздо интереснее изобразить что-то от себя, показать какие-то характерные черты, усилив их, довести почти до гротеска, иногда – до немого крика, или вопроса. Работы Злоти очень музыкальны. Так и слышишь шуршанье простыни, или легкий шепот ветра в волосах, или звонкий смех убегающих девушек. Но романтики, а тем более сентиментальности, в этом нет. Скорее – непреходящая правда бытия, правда художника с большой буквы.
Е.Е. Чернова
СНС Музея истории Мещанского района
(ГБУК г. Москвы «Музей «Садовое кольцо»)
опубликовано с личного разрешения автора
Далее
КСЕНИЯ ЧЕРНОМОР: «Есть такая мудрость, если Вы верите во что то очень сильно, то по Вере Вашей вере и будет Вам. Создавая красивое на полотнах, мы создаем вокруг нас красивый мир, я верю в то, что художники делают мир лучше».
«КРАСИВО» – одно из первых слов, которые входят в жизнь маленькой СОНЕЧКИ – дочки КСЕНИИ и ВИКТОРА. Это слово она учится выговаривать после слов «МАМА» и «ПАПА». Родители этого счастливого ребенка как творческие люди в первую очередь обращают внимание дочки на все самое прекрасное в мире и учат находить красоту даже там, где она прячется глубоко.
СОНЕЧКА на работе у папы. В его мастерской. Впервые. Но этот первый приезд дочки, возможно станет традицией, – улыбаются родители – как это было в их семьях. КСЕНИЯ и ВИКТОР выросли в атмосфере творчества — науки и искусства — и полного взаимопонимания, когда родители делились всем, что происходило с ними на работе за стенами дома, и радостями и переживаниями и успехами.
КСЕНИЯ ЧЕРНОМОР: «Как мне родители рассказывают, все детство прошло за кулисами, родители —актеры часто уезжали в гастрольные турне, меня тогда брали с собой, и не смотря на то, что это было, наверное, непросто, приходилось засыпать порой глубокой ночью после спектакля, воспоминания остались самые замечательные, было очень интересно».
ВИКТОР ПИСКОХА: «Отец у меня был ученый, постоянно занимался наукой, но я помню хорошо долгие разговоры с ним, которые меня тогда маленького ребенка приучили размышлять о мироздании, интересоваться изучением явлений».
В каждой семье есть собственные традиции, которые возникают в связи с особенностью профессии, образа жизни, предпочтений в проведении досуга, но есть некоторые общие для всех секреты семейного счастья, которые не меняются со временем и переходят из глубины веков из поколения в поколение. Самые яркие детские воспоминания Виктора — картины семейного чаепития, когда вся семья вместе садилась, общались, разговаривали, тогда чувствовалось особенное единение семьи, ощущение родства, крепких уз, доброты, поддержки, духовной близости. Во главе этого застолья Виктор всегда помнит Бабушку».
Черта характера – открывать новое, свойственная им обоим выражается в желании посещать новые места. Ксения и Виктор отправляются в путешествия, и новые впечатления, делают их духовную связь еще более крепкой. В картинах, написанных с натуры в русской провинции запечатлена жизнь старинных городов, истории улиц и заветных мест. Рядом с Константиново в Рязанской области в 13-14 веках остановились Византийские монахи, после чего возник свято Иоаннобогословский монастырь – делятся впечатлениями о поездке Ксения и Виктор.
КСЕНИЯ: «Меня еще туда привело то, что мой отец когда то там проходил послушание,и именно это обстоятельство влекло увидеть места, которые изменили во многом его жизнь и судьбу, понять связь каких то явлений, потому что после его нахождения в монастыре прошла череда событий, которые мне бы хотелось осмыслить».
«Мимо этого цветущего ковра под чистым небом невозможно было проехать, – признаются Ксения и Виктор, – фантастическая картина цветения вдохновила остановиться и взять в руки кисти. Если присмотреться, – говорит Виктор, – в работе Ксении «Древо» можно увидеть фрагменты и этого цветущего поля».
Над этим монументальным полотном Ксения трудилась больше двух лет и это явилось для нее не только творческой работой, но и большим духовным опытом.
Картина представляет генеалогическое древо большой семьи, члены которой живут в Москве, и за рубежом, поэтому собрать сведения о всех родственниках нескольких поколений оказалось не просто и то, с какой внимательностью семья наших современников изучала историю своих далеких предков, поразило Ксению и вдохновило ее на создание особенного полотна.
«Мне, — говорит Ксения, — эта работа помогла задуматься что нужно возродить свое древо и вспомнить свои корни, кто были мои родственники в прошлых поколениях».
ВИКТОР: Картина прошла проверку самых честных и самых откровенных зрителей — детей. Когда Ксения еще только прорабатывала детали, детишки заказчиков заметили семью сов – они сказали, что это любимые их герои, и были в большом восторге от сюжета. Мы поняли, что нашли правильное решение из всех, которые планировали воплотить. Отказались от вечернего полумрака, когда эффектно смотрелись бы фонарики на Древе, освещающие ветви его рода, выбрали рассвет, что очень символично для новых поколений, всего сто пятьдесят папирусов представляют членов большой семьи. Цветы — это символика тех предков, которых уже нет, но центральное место занимает ствол, чем больше семья, чем больше традиций, тем больше дерево. Здесь буквально ощущается, что есть любовь в семье и есть дети».
Их многое объединяет, не только стены дома. В первую очередь маленькая Сонечка. И Искусство, благодаря которому они и познакомились. Однажды Виктор помог Ксении в подготовке к выставке ее картин, и с тех пор повод их знакомства стал одной из постоянных семейных традицией — ни одна выставка Ксении не проходит без помощи Виктора.
ВИКТОР: «На самом деле, у нас такой хороший союз получился, когда-то идея рождается у меня, когда-то у Ксении, но я знаю точно, когда рядом с тобой человек, который может реализовать художественную идею, и ты в этом участвуешь, это замечательно вдохновляет, если бы я не видел, как рождаются картины Ксении, как она работает, как может трудится, какие произведения может создавать, мне бы самому многое бы не пришло в голову».
«ЖДУ ТЕБЯ СЕГОДНЯ ВЕЧЕРОМ В МАЛЕНЬКОМ КАФЕ» — название отчетливо рисует романтичную картину городского вечера. Кажется, все предсказуемо, но вариантов сюжета – бесконечное множество, которое создают оттенки настроения.
КСЕНИЯ: «Мне это присуще, я любую картину пишу под музыку, я ставлю произведение, очень люблю Чайковского, Стравинского, Рахманинова, и под каждое произведение рождается определенная картина, вызывающая разные эмоции….»
Бывает невозможно пройти мимо художника, пишущего с натуры. Случайные прохожие непременно замедляют шаг, чтобы хотя бы взглянуть на полотно, менее деликатные останавливаются за спиной. Но каждый понимает, что присутствует при неком таинстве искусства – рождении картины.
Не каждый живописец согласится на подобный эксперимент: за спиной у КСЕНИИ – целый зал зрителей. Ее картина, написанная этой сцене культурного немецкого центра — импровизация с музыкантом. Джазовая композиция АЛЕКСАНДРА ВИНИЦКОГО на этой же сцене рождается так же спонтанно, как и сюжет художницы. «Лучшая импровизация та, что заранее отрепетирована», — популярная шутка джазовых музыкантов, — но не в этот раз. Ксения и Александр специально не обсуждали свои творческие задачи. Решили полностью доверится вдохновению. Под музыку КСЕНИЯ ЧЕРНОМОР написала почти все свои картины, но в подобной ситуации она тоже впервые. Совместный проект двух муз, — улыбаются авторы – музыки и живописи. Так родились джазовая композиция АЛЕКСАНДРА ВИНИЦКОГО и картина КСЕНИИ ЧЕРНОМОР. И хотя ощущения Ксении, ее мысли и чувства с этой сцены уносились далеко за пределы, среди зрителей в зале КСЕНИЯ более всего ощущала присутствие одного человека — ВИКТОРА.
КСЕНИЯ и ВИКТОР живут в Медведково. В северо-восточном округе им известны все памятники архитектуры, многие из которых можно увидеть на полотнах Ксении.
Старинные усадьбы для художника привлекательны не только архитектурой и историей, но и тем едва уловимым настроением, которое оставили в стенах своих домов их прежние владельцы.
КСЕНИЯ: «Когда я пишу работу, полностью начинаю погружаться в этот пейзаж, ветки, силуэты, символы. То, что невозможно порой описать словами, можно передать через свои произведения». Живопись — всегда откровение.
Многие работы Ксении, даже те, которые написаны в реалистических традициях, наполнены символами и фантазией автора. Есть и вовсе сказочные сюжеты, куда прекрасно вписываются эльфы и феи, самые заветные мечты и добрые желания. Маленькой Сонечке еще предстоит узнать и о самых известных сказках и о тех, которые придуманы в сюжетах картин ее мамой. Сегодня малышка пишет свои картины, пока руками, выбирая из всей палитры те, краски, которые кажутся ей самыми красивыми в мире. «Это ей самой предстоит выбрать, станет ли она художником, по семейной традиции, — говорит Ксения, — ведь у меня тоже был выбор, но со своей стороны я постараюсь привить ей все, что сама знаю о прекрасном. Отношение к миру, к красоте закладывается с детства, и еще раньше, когда ребенок живет под сердцем у мамы, и если уже тогда он слушает красивую музыку, видит прекрасные картины, чувствует любовь, ощущает гармонию в семье, у него будут правильные представления о мире, который он тоже сможет сделать лучше и красивее».
Далее
ПЕТР ЦВЕТКОВ: «Был один такой примечательный день, когда я шел после просмотра картин в выставочном зале в городе Химки – еще тогда комбинат художественный существовал, – и меня охватило такое желание рисовать, что я свернул в первый попавшийся магазин книжный, купил детские краски, альбом, кисточки и в счастливом настроении пошел домой и стал пробовать, с тех пор я поставил себе цель обязательно научиться».
С тех пор ПЕТР ЦВЕТКОВ стал брать уроки у профессиональных художников, и вскоре поступил в школу акварели Сергея Андрияки. В истории искусств известны имена многих мастеров, пришедших к избранному пути не в самой ранней молодости, но сумевших тем не менее раскрыть в полной мере свои художественные таланты. Петр Цветков в своем творчестве продолжает традиции реалистической школы живописи и предстает в своих работах как зрелый, состоявшийся мастер, прошедший не только хорошую школу, но и одаренный духовно. Трудно поверить, что автор этих картин пришел в искусство сравнительно недавно, сменив профессию и образ жизни, полностью дыша новой своей работой, с улыбкой признающий тот факт, что в детстве даже не особенно увлекался рисованием, хотя всегда интересовался искусством. Его творческая судьба догнала его позже, выбрала безошибочно, как случается только с призванными, то есть с теми, кто следует смело и бесповоротно за своим призванием. До того как стать живописцем, Петр Анатольевич Цветков закончил технический ВУЗ, работал в системе МЧС, участвовал в разных точках страны во многих экстремальных ситуациях, связанных с этой опасной профессией. Ему и сейчас, признается художник, снятся картины его прошлой службы, но сегодня его служение искусству помогает людям не меньше, чем та опасная работа, которой он посвятил многие годы. «Территория любви» – выставка, в которой представлены произведения последних двух лет – это рассказ о красоте земли, с которой связаны наши корни, о чистоте души людей, живущих в окружении этих пейзажей, о главном, сокровенном, что художник стремится выразить образно, наполнить символами.
Петр Цветков. Весна с Воробъевых гор
ПЕТР ЦВЕТКОВ: «Моя работа, которая называется «По дороге домой» – не совсем обычный пейзаж, в нем есть символический подтекст. У каждого свое возникает ощущение от картины, свои ассоциации, но мне видится эта картина в том, что в жизни человека бывают такие дни, которые дают ощущение, что сделано что-то важное, нужное людям, и этот день не потерян, и люди возвращаются к себе домой, и не смотря на то, что они устали, они очень счастливы, и таким может быть не один день, а целая жизнь»
Он внимательно изучает творчество русских мастеров – Саврасова, Васильева, Крамского, живописным традициям которых следует, в работах которых особенно отчетливо выражена русская душа, чье творчество идет не от разума, не от формализма, – говорит художник, – а от чувств, от всего того, что дорого русскому человеку. Эту тему в искусстве Петр Цветков продолжает работами символического плана, в которых читаются раздумья над нашей жизнью, над тем, что есть главное для человека. На пути своего становления в качестве художника, Петр осознал – одно из главных преимуществ искусства в том, что ученик познает не только основу техники живописи, но открывает весь духовный мир, заключенный в творческом наследии мастеров прошлого.
Петр Цветков. "Весна-ветла"
ПЕТР ЦВЕТКОВ: «Больших и настоящих художников, которые тонко чувствуют и умеют выражать это на холсте не так много. К сожалению, в наш век коммерческий художник, случается, начинает работать, исходя из коммерческих соображений, и становится не совсем искренним в своем творчестве, а зритель, особенно подготовленный это всегда хорошо чувствует, и мне приятно, что у меня среди друзей много настоящих художников, преданных искусству».
ПЕТР ЦВЕТКОВ: «Вот эта работа называется «И придет апрель» это тоже не просто пейзаж, в этом сюжете заложена надежда человека на будущее, на то, что все будет хорошо, и человек всегда этого ждет, апрель всегда связан с надеждой, с раскрытием своих лучших чувств, когда тает снег, человек оттаивает душой, и апрель – это скорое начало весны, начала новой жизни. В каком то смысле эту метафору можно провести с воскресением души человека, с тем, что мы связываем с весенним праздником Пасхи».
Он пишет пейзажи, большинство которых окружают его дом в Подмосковье, но такие картины характерны для всей средней полосы России, – говорит Петр Анатольевич. Природа особенно вдохновляет художника, и многое дает в плане эмоциональном и даже духовном. Суета городов мешает вдохновению, и эти виды манят не только для создания новых работ, но и для очищения души. В русских пейзажах есть все, чем можно восхищаться, — считает художник, — и в этом находить удовлетворение своих эстетических запросов».
ПЕТР ЦВЕТКОВ: «Невозможно писать в мастерской по представлениям правдиво, не делая достаточно этюдов, работ на пленэре. Хотя на самом деле это два разных жанра в живописи, это этюдный и картины в мастерской. Великий художник и преподаватель Куинджи говорил, что художник должен много много писать точных этюдов на природе, но уже в мастерской, где он пишет картину со своим замыслом, он должен забыть об этюдах и писать по впечатлениям, и это будет лучше выражать замысел».
Петр Цветков. "Вечер в Химках"
Его учителя — и мастера прошлого, и современные художники, окружение которых — настоящих больших мастеров поддерживает и не дает сбиться с истинного пути. Люся Воронова — одна из знаменитых в художественной среде наших современниц, признала в работах Петра – руку настоящего мастера и именно поддержка таких художников, преданных своему избранному пути вдохновила Петра на создание этой выставки.
Первая персональная выставка художника Петра Цветкова состоялась накануне Нового года в галерее ЭСКО на Проспекте Мира, 14
Далее
техника: фотография
размер: 55х75
2008 г.
Для выставки «Арт-Манеж 2008″
Далее
Образ Академической творческой мастерской скульптуры под руководством ВЛАДИМИРА ЕФИМОВИЧА ЦИГАЛЯ сопоставим с произведением одного из самых оптимистичных его учеников — СЕРГЕЯ СЕРЕЖИНА «БЕГ ЛЕОНАРДО» (2005). Неутомимый, неугомонный Леонардо в пути, в движении, в непрестанном поиске новых открытий, новых изобретений, новых встреч с тайнами природы и материи. Его сверхвелосипед опережает время, мчит творца к далеким неисследованным горизонтам.
Мастерской скульптуры исполнилось 20 лет, и «Горизонт Леонардо» стал еще более всеохватен, всеобъемлющ и притягателен.
Создание Академической творческой мастерской скульптуры под руководством Цигаля — явление закономерное и значимое в истории отечественной скульптуры. Ученик Домогацкогго, Шадра, Матвеева, Цигаль передает другим поколениям и другой эпохе традицию русской скульптурной школы. Суть в том, что искусство скульптуры осознается не только как профессия, но как призвание, служение, миссия. Это неотъемлемая часть жизни и внутренняя необходимость.
Владимир Ефимович Цигаль — свидетель и участник великих и трагических исторических событий. Его характер, жизненную и творческую позиции сформировала Великая Отечественная война. Искусство Цигаля в высшей степени автобиографично, главными темами его творчества стали жизнь и смерть, судьба и провидение, страдание и сострадание, мужество и самопожертвование.
Владимир Ефимович Цигаль родился 17 сентября 1917 года в Одессе, в 1927-1930 гг. учился в пензенской школе, в 1930 переехал в Москву, в 1937 поступил в Московский государственный художественный институт имени В.И. Сурикова, на факультет скульптуры. его учителями были выдающиеся скульпторы Иван Шадр, Владимир Домогацкий, Александр Матвеев.
В 1942 году, с дипломного курса института Цигаль добровольцем ушел на фронт, до 1944 года служил во флоте в качестве военного художника. Участвовал в высадке десанта в Новороссийск и Керчь, в боевых операциях Черноморского и Балтийского флотов.
После войны, в 1948 году окончил Суриковский институт по мастерской Р.Р.Йодко.
На многие годы главной, решающей стала для художника тема Великой Отечественной войны, с ней связаны основные монументальные работы, ей посвящены многие станковые скульптуры и графические серии.
В скульптуре «Военный художник» (2000) Цигаль создал свой автопортрет военных лет, автопортрет-воспоминание. Художник балансирует на взрывоопасном пьедестале — взрывной мине. В его руках блокнот и карандаш. Он делает быструю документальную зарисовку с натуры. Художник вступает в спринтерский поединок с чрезвычайными, непредсказуемыми, угрожающими обстоятельствами.
Эта скульптура — одновременно и метафора и яркий, неопровержимый документ времени. В своей автобиографической книге «Не переставая удивляться…Записки скульптора» (1986) Цигаль с поразительной силой, почти физически ощутимой достоверностью воссоздал страшные и героические картины штурма новороссийского плацдарма в феврале 1943 года. События, участником которых выпало стать Цигалю, воссозданы по дням, часам и секундам, ибо в непрерывной ожесточенной схватке все решают секунды.
Торпеда и мина стали для Цигаля не абстрактными, но реальными символами смерти. Вот поразительный эпизод: художник на боту тральщика, перевозящего раненых бойцов с огненного новороссийского рубежа в Геленджик, и, как бывает во сне, почти касаясь борта, прошла торпеда. «И я увидел смерть. Она быстро проскользнула темной тенью. Бесконечно длинная и темная/…/ «Вся жизнь на войне, как запутанный сложный лабиринт, — пишет художник. — Где то пространство между вилками пулеметных очередей и дождем смертоносных соколков, в котором можно остаться живым, не сделав только один лишний шаг в сторону, вперед или назад, шаг, который станет роковым?»
В Геленджике Цигаль рисовал матросов весь день по пятнадцать-двадцать минут. Рисунки предназначались для газеты «Красный Черноморец», для листовок и для самих бойцов, которые посылали свои боевые портреты родным. «Ну запиши меня в историю!» — сказал один из матросов. В Новороссийске Цигаль рисовал в полуразрушенных строениях, рядом сидели и лежали раненные бойцы, вокруг свистели и разрывались снаряды.
За годы войны художник сделал более 600 фронтовых рисунков. Большая часть из них ныне хранится в военных музеях в Новороссийске и Геленджике.
Создавая в 1960-1980-е годы монументы героям Великой Отечественной войны, Владимир Ефимович, по его словам, призывал в помощники не только свой опыт, способности, чувства, все силы, но и память.
Цигаль создал ряд мемориальных ансамблей, посвященных Великой Отеественной войне: — памятник жертвам фашизма в Маутхаузене, совместно со скульптором Львом. Кербелем (1957г.); — мемориал советско-польсого боевого содружества (1967, Белоруссия); — мемориальный комплекс «Героям гражданской войны и Великой Отечественной войны 1941-1945 гг.) в Новороссийс ке (1977-1982, архитекторы Я.Б.Белопольский, Р.
Г. Кананин и В.И. Хавин).
Эти ансамбли стали неотъемлемой частью монументального искусства XX столетия. Не менее значимы и портретные памятники героев Великой Отечественной войны: — памятник Герою Советского Союза генерал-лейтенанту Д.М.Карбышеву в бывшем немецко-фашистском концлагере в Маутхаузене (1962, Австрия); — Герою Своетского Союза Мусе Джалилю в Казани (1966); -генарлщ-лейтенанту Д.М. Карбышеву в Москве (1980); — Рихарду Зорге в Москве (1985), и в Баку (1981). «Разные люди, разные судьбы, по-разному они жили, боролись, по-разному встретили смерть. Для истории это уже не генерал, офицер или солдат, а люди, ставшие совестью поколений. И моей мечтой было возвращение их в строй в мраморе, бронзе, граните» — говорит художник.
Создание монументального портрета — это тоже поединок, наряженная внутренняя интеллектуальная борьба за рождение и торжество лучшего, правдивого, документального, психологически мощного образа. Мучительный вопрос — каким должен быть монументальный портрет генерала Дмитрия Карбышева.
Цигаль долго искал образ и понял, что Карбышев должен быть красив и драматичен в своем великом подвиге, красив и величествен перед своими мучителями и страшен для них силой своего духа. «Должен олицетворять мужество и красоту сотен и тысяч людей, которые боролись и безвестно погибли. Он должен быть таким, и я абсолютно уверен, что он был таким.
Пусть он твердо стоит на ногах, стиснув руки и кубы, величественный и сильный, пусть он навечно останется стоять, как символ мужества, бесстрашия, несгибаемой воли. Пусть он будет символом для живых.»
Цигаль убежден, что нельзя втискивать в каноны прошлого (фигура на постаменте в соотношении один к одному) всех тех, кому сооружаются памятники. Герои, Которым возводят памятники, внесли что-то важное, значительное, неповторимое в нашу жизнь. И недостаточно видеть их различие только в портрете, в движении или одежде. Ординарность композиции всегда нивелирует это различие!
СЕРГЕЙ ОРЛОВ. «Не переставая удивляться. Владимир Цигаль и ученики».
Далее
Искусствоведы называют его «крылатым художником» и «живописцем радости», связывая неразрывно имя мастера с изображением русского пейзажа. Михаил Абакумов был бесконечно влюблен в жизнь и природу и оставил эту свою любовь в сотнях полотен и графических работ. На его выставках можно учиться видеть красоту в стареньких деревянных домишках, в размытых дорогах и неровных околицах. Она торжественно сияет в озаренных солнцем облаках, в стенах древних храмов, в куполах церквей, в каждом стебле, в каждой травинке.
Алина Милехина, искусствовед: Михаил Георгиевич был человеком романтиком, он в любом уголке, будь то степь, перелесок, находил такие виды, что идешь по выставке его работ, смотришь, как художественный фильм. Он воспел каждый уголок любимой им родной Коломны, любил русский Север, Вологодчину, где была его творческая дача. Вокруг него формировались многие русские живописцы, он оставил целую плеяду учеников, многие из которых сегодня уже сами — заслуженные и народные художники. Его очень любили и любят коллеги и очень уважают».
Искусствовед и галерист Алина Милехина представляет творчество русских художников-реалистов. Галерея «Меларус АРТ» уже много лет работает с мастерами, живущими в разных регионах России, сохраняющими наследие русской живописной школы. Вместе с художниками Алина Сулеймановна отправляется на пленэры, работает в мастерских, где на глазах ее рождаются этюды и картины. Такая близость с авторами, большинство которых становятся друзьями Алины, помогает искусствоведу лучше понять творчество и характер создаваемых работ. Михаил Абакумов относился к числу близких друзей галереи «Меларус АРТ» и Алина Сулеймановна с особенным удовольствием представляет выставки этого художника, с которым ее связывают многие воспоминания о совместной работе.
Алина Милехина, искусствовед: «Наверное, нет ни одной области и региона, где бы Михаил Георгиевич не побывал со своими выставками, он договоривался с музеями региональными, упаковывал работы, перевозил их, и везде, где он появлялся с экспозициями, он старался передать мастерство студентам, договаривался с художественными училищами, творческими студиями, давал мастер-классы, чтобы появлялись последователи традиций, такие новые ростки — ученики».
Выставка работ Михаила Абакумова в Павловской гимназии
Работы Михаила Абакумова хранятся во многих музеях и частных галереях. Но эта выставка для школьников имела особенное воспитательное и нравственное значение. Сергей Олегович Брайловский представил в стенах Павловской гимназии, где учатся его дочери работы Михаила Георгиевича Абакумова из своей коллекции, одной из самых значительных в числе частных собраний. И на эту акцию коллекционера, буквально, вдохновила страница из школьной жизни — сочинение на тему «Как я провел лето». Только две девочки из школы — дочери Сергея Олеговича Соня и Настя, — написали о своем путешествии по России, о дивной русской природе, которая потрясает их души, о замечательных людях, живущих в провинции, о своей любви к древней истории страны. Все остальные ученики описали замечательный отдых за границей.
Картина Михаила Абакумова "Идут золотые дожди"
Сергей Брайловский, коллекционер: «Самая первая работа, которую я приобрел, называется «Идут золотые дожди». Михаил Георгиевич считал, что это — самая главная работа его жизни, он говорил, что в этой работе он видит настоящее и будущее России — облака грозовые и, как будто нет просвета, но мы видим, что храмы вдали уже освещены солнцем, уходят тучи и Россия будет такой же великой, какой была тысячелетия, он свято в это верил, и я понял, приобретя эту работу,с каким гигантом живописи я имею дело. Так началась моя коллекция картин Михаила Георгиевича Абакумова».
В последнее время, — говорит искусствовед Алина Милехина, — много ушло художников старшего поколения, чье творчество отличается особенной глубиной и содержательностью. Они воспевают русскую природу, и в работах чувствуется характер человека, нашего русского человека, широкой души, как просторы на их картинах. И несмотря на изменения и трудности современной жизни, они — реалисты-романтики остаются преданными не только живописным традициям, но и особенному чувству любви к жизни, к стране, к людям, к природе.
Далее
Люди взрослеют, по-настоящему становясь зрелыми, когда их взгляды на жизнь начинают совпадать с родительскими. Михаил Гурвич, вспоминая горячие творческие споры с отцом, во многом соглашается с ним сегодня, со знаменитым живописцем, выдающимся мастером современности Иосифом Гурвичем.
«Он был очень непрост для понимания, — говорит Михаил о Иосифе Гурвиче, — он ставил такие сверхзадачи в искусстве, которые на поверхности не лежат. Эта особенность отличает большого мастера. Искусство опережает время, если это — настоящее искусство, и опережает намного».
Михаил Гурвич — ученик своего отца, и этот факт в художественных династиях почти всегда и большая удача для художника и вместе с тем — творческое испытание, заключенное в поисках собственного пути. Художник отражает свое время, даже если обращается к сюжетам прошедших эпох или собственной фантазии. Михаил Гурвич приверженец реалистической школы, но вместе с тем, его реализм особенный, относящий зрителя к тонкому миру впечатлений, воспомининий, чувств. Он наделяет своих моделей такими глубокими эмоциями, так трепетно относясь к их душевным порывам, что невольно верится — художнику, пишущему портрет, открывается нечто большее, чем очевидно многим.
Работы последних лет отличает особенная манера, подчеркивающая психологизм: сдержанность колорита, профессиональная «недосказанность» и некоторая зыбкость изображения, как будто краски на холсте легко и прозрачно рисуют картину какой-то особенной ситуации, особенного состояния момента, в котором ощущается неуловимое присутствие некого таинства. О состоянии внутреннего напряжения в картине сам Гурвич говорит так: «Зритель, глядя на, казалось бы, обычный сюжет, должен понимать — там в картине «что-то происходит», что-то очень важное для изображенных, и для него, зрителя тоже». Одна из работ называется «Магия», где в портрете девушки все внимание привлекают, скорее, ощущения модели, чем ее изображение. «Предчувствие» относится к тем же сюжетам, где главное — душевные переживания персонажей.
«Ангелов никто не видел. Наверное, — улыбается художник, — но я видел. Во сне. Я верю, что нас что-то ведет по жизни. Не бывает случайностей, во всем —закономерность». Картина «Бремя Человека» Михаила Гурвича — парафраз на сюжет Гойи «Сон разума», как и картина «Предчувствие». Только сон художника Гурвича, в отличии от видений Гойи, рождает красавиц.
Лида, жена и муза Михаила — модель всех его сюжетов. Ее образ узнаваем во многих картинах Гурвича. В реалистических портретах жены художника, в движениях и поворотах головы собирательных образов, в чьих тонких профилях и кистях изящных рук читаются черты любимой художником модели.
«Художник пишет себя и Вечность» — одна из любимых цитат, которую Гурвич повторяет и в отношении своего творчества. «Между хорошей живописью и плохой разница только в понимании», — говорит Михаил,— поэтому зритель тоже должен быть одарен.
В 1969 году Михаил, выпускник школы с архитектурным уклоном поступил в Московский текстильный институт на факультет прикладного искусства. В 1972 году впервые участвовал в Профессиональной выставке МОСХа. Работал в эксперемантальной художественной лаборатории Рошелк в Москве. С 1975 года — член МОСХ России. Участник 58 выставок в России и за границей. Работы Михаила Гурвича есть в собраниях музеев и в частных коллекциях в России, Украины, США, Франции, Германии, Италии, Испании, Польши.
«Для искусства нет хороших времен, — уверен Михаил, — оно само создает время… или безвременье». Искусство художник ставит на высшую ступень приоритетов и жизненных ценностей. «Самое лучшее приложение сил человека — творчество и выращивание хлеба, — говорит Михаил, — только наивные думают, что можно обойтись без первого, тогда войны, ненависть и глупость оставят человечество и без второго.
«Талант — это знание профессии и постоянная неудовлетворенность. Искусством нельзя баловаться, — уверен Гурвич, — Если служение ему несеръезно, рано или поздно, это обнаружится, и падение будет неизбежным».
В мастерской художника Михаила Гурвича. Михаил Гурвич, Александр Рябичев, Даниэла Рябичева.
Репортаж: Александра Загряжская
Далее
Дорогим другом индийского народа называла российского скульптора Дмитрия Рябичева премьер-министр Индии Индира Ганди. Дмитрий Рябичев и сын скульптора Александр создали портреты самых выдающихся личностей истории Индии — Махатмы Ганди, Джавахарлала Неру, Индиры Ганди. В восьмидесятые годы Дмитрий и Александр Рябичевы много работали в этой древней, удивительной, до сих пор экзотической для европейцев стране. Уникальные снимки Индии восьмидесятых долгие годы хранящиеся в слайдах впервые напечатаны для экспозиции. Кадрам, снятым в различных штатах Индии тридцать лет назад сегодня удивляются сами современные жители этой страны.
Далее