Династия Гландиных- Салганик в проекте «Семья художника» 28 апреля

6 Апр 11 | Новости | Ваш отзыв

ДИНАСТИЯ ГЛАНДИНЫХ-САЛГАНИК
в проекте «Семья художника» 28 апреля в галерее «Колорит» на Малой Дмитровке.
Записала: Александра Загряжская

Алексей Гландин родился в Одессе и с младенчества имя его звучало как Андрео Энглянди. Жизнь этого художника с раннего детства была наполнена невероятными событиями. Отец его Леонардо Энглянди, итальянец по происхождению умер, когда сыну исполнился один год. Мальчик воспитывался в семье бездетного итальянского консула и чуть было не отправился вместе с ним в Италию, но мать – Марфа Энглянди, забрала его прямо с отплывающего корабля.

Алексей Гландин. «Первые весенние лучи» 1987 г.

В Одессе его учителями стали Григорий Цейтлин и Антонио Дивари. В 1940 году талантливый юноша, лауреат художественных конкурсов, был без экзамена принят сразу на второй курс живописного отделения в Одесское художественное училище, закончил которое будущий художник только в 1949 году. В первые дни войны, чтобы быстрее отправиться добровольцем на фронт, девятнадцатилетний Андрео Энглянди изменил имя.

Алексей Гландин. «Трудовые люди Кузбасса», 1960-1961гг. Музей изобразительного искусства, г.Новокузнецк

Алексей Гландин (Андрео Энглянди) прошел войну от Сталинграда до Берлина и события военных лет стали сюжетами многих его картин. Тем отчетливее видится желание художника передать в картинах, написанных в то же время, тепло домашнего очага, уют дома, счастье быть рядом с близкими.

Алексей Гландин. «Апрель в деревне», 1972-1982гг. Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Отец был руководителем Дома Творчества в Горячем ключе на Северном Кавказе, и именно там я впервые начал работать по-настоящему. В Горячий ключ приезжали многие известные сегодня живописцы, тогда они были молоды и в таких поездках можно было воочию наблюдать творческий рост каждого из них. Я учился тогда на втором курсе художественного училища и запомнил это время, как особенное».

Алексей Гландин. «Декабрьские каникулы», 1969г.

В историю искусств эти поездки семьи Гландиных-Салганик вошли картиной «Декабрьские каникулы», в которой Алексей Гланиндин написал свою семью – автопортрет, жену Ивету и сына Леонида.

Алексей Гландин. «Весенние деревья», 1969г.

«У отца очень много набросков, рисунков, изображающих маму и меня – говорит Леонид Гландин, – отец любил изображать нас за работой или домашними делами, любил делать быстрые зарисовки. Они не так широко представлены в его творчестве, но именно в этих работах есть и личностное отношение и характер. Отец рисовал многих художников, которые приходили к нам в гости, и эти рисунки, безусловно, более выразительны, чем фотографии».

Ивета Салганик. «Портрет сына», 1969 г.

О творческих предпочтениях говорят самые ранние работы Алексея Гландина. В журнале «Юный художник» 39 года были напечатаны его юношеские работы – прекрасные пейзажи пятнадцатилетнего художника. Уже тогда он мастерски умел передать настроения природы. Дача и творческая мастерская в Тверской области появилась в семье Гландиных в семидесятые, и именно в то время Алексей Гландин возродился как пейзажист, – считает сын живописца Леонид.

Ивета Салганик. «Натюрморт с мандалиной», 1960г.

«Я помню этот пейзаж, виденный из окна нашего дома в Воронеже, – говорит Леонид Гланидин, – оживленный рынок, с лошадками, запряженными в телеги с овощами. Я любил наблюдать за его шумной и очень живописной жизнью. Но воспоминания особенно ярки благодаря картине, написанной мамой».

Ивета Салганик. «Рынок на Пушкинской в Воронеже», .

Тема народной игрушки в творчестве Леонида Гландина началась в девяностые и пережила несколько метаморфоз в картинах художника. Игрушки Леонид Гландин, как театральный художник представляет в мезансценах. Но раньше фигурки представлялись как архаичные символы, предметы, пришедшие издревле. Со временем они, оставаясь в своих образах, приобрели черты современников.

Леонид Гландин. «Силуэты», 2004г.

«Игрушка – говорит Леонид, – сама по себе – произведение искусства, по игрушке можно узнать о мудрости народа, ее создавшего, изучать символику цвета, изображение,– это тоже символ. И когда ряд этих символов сочетается в ансамбле, то возникает уже определенное действие». Коллекцию народной игрушки Леонид Гландин начал собирать еще в детстве, это было семейных увлечением, к теме народного творчества не раз обращались и родители художника.

Леонид Гландин, «Хорезмские изразцы» 2001г.

Излюбленная техника Леонида Гландина – пастель. В ней художник, продолжающий семейные традиции в искусстве, нашел свой собственный стиль.

Леонид Гландин, «Двое», 2006г.

28 апреля в галерее «Колорит» на Малой Дмитровке состоится выставка «Семья художника», в которой будут представлены работы ярких мастеров современности, принадлежащих художественным династиям.

В экспозиции будут представлены работы
Алексея Гландина,
Иветы Салганик,
Леонида Гландина,
Дмитрия Рябичева,
Александра Рябичева,
Даниэлы Рябичевой,
Леонида Рабичева,
Виктории Шумилиной,
Федора Рабичева,
Евгения Рабичева,
Владимира Колесникова,
Юрия Колесникова

«Прошлое-Будущее». Галерея «L».

12 Мар 11 | Новости | Ваш отзыв

«Времена не выбирают, в них живут и умирают»… Этими словами поэта Александра Кушнера художник Анна Замула ответила на вопрос анкеты выставки в галерее «L». Ряд вопросов на тему «О времени и современности» организаторы предложили всем участникам, и в кратких отзывах художников, кажется, воплотились их жизненный и творческий опыт, позиция в искусстве и оценка своего соответствия времени.

Называя свою выставку «Прошлое-Будущее», авторы были озадачены вопросом современности. Соответствие своему времени — тоже талант, который наравне с мастерством делает художников классиками.

Знаменитые шестидесятники, чья молодость и творческая зрелость совпала с расцветом искусства в нашей стране — сегодня классики. Последующие семидесятые подарили не меньше талантливых мастеров своего времени. Восьмидесятые художники связывают с некоторым безвременьем, которое великодушно извиняют последующим взрывом интереса к их творчеству в девяностые. «Мы вдруг стали всем очень нужны тогда, — говорит куратор выставки Любовь Жуховичер, — мы стали всем желанны, все то, что было спрятано, что создавалось во времена «застоя» оказалось всем очень интересно. Это было хорошее время для художников».

Картина Любови Жуховичер «Созерцая пустыню Израиля»

Говорить о прошлом и будущем легче, чем оценивать настоящее время, как будто оно становится чем-то иным в наших мечтах или воспоминаниях. Этот парадокс зачастую становится грустным фактом — мы не всегда живем настоящим, но понимаем это поздно.

Картина Татьяны Петровой на тему прогулки по реке.

Простая прогулка по Оке художника Татьяны Петровой подарила автору и зрителям несколько вдохновенных полотен, ярких и эмоциональных. «Когда я иду на лодке по воде, — говорит Татьяна, — мне всегда кажется, что происходит что-то необыкновенное, очень значительное. В эти моменты я физически ощущаю счастье и помню это состояние всегда. Простые вещи, очень простые жизненные ситуации — самые важные».

Графика Феликса Буха

Художник Феликс Бух.
Фото: Александра Загряжская

Феликс Бух уже много лет создает мозаику — одну из старейших техник в искусстве, известную еще до нашей эры. Как иллюстрация связи времен представлена его мозаика на архаичные темы и графика, созданная в семидесятые годы, когда художник путешествуя по стране, бывал во многих древних городах, где люди живут в своих домах, выстроенных собственными руками, очагом и садами за окнами, и укладом жизни, заведенным тысячи лет назад. «Главное, что я видел в этих путешествиях, — говорит Феликс, — это истоки человеческой жизни, с которыми я очень чувствую связь».
Связь прошлого и будущего Феликс Бух видит так же в традиции передавать свой опыт ученикам. Анна Замула пришла в мастерскую Буха уже состоявшимся художником, но древнее искусство мозаики, которым она занялась, навеяло ей многие сюжеты и в других техниках. Живопись на рубероиде — материале, как бы случайно оказавшимся под рукой вдохновленного внезапно художника, подчеркивает сюжет, связанный с главной темой экспозиции.

Картина на рубероиде Анны Замулы

Искусство дарит нам счастливую возможность осознать — жить надо сегодня. «Прошлое уже прошло, — говорят художники, —а будущее — не наступило». Осознав это, можно ощутить течение времени настоящего, каждый его прекрасный миг.

В мастерской Феликса Буха. Художник Феликс Бух и его ученица Анна Замула.
Фото: Александра Загряжская

Записала Александра Загряжская

Александра Загряжская. ТСХР, ГАЛЕРЕЯ ЭСКО ПРЕДСТАВЛЯЮТ ВЫСТАВКУ «ВОСТОК-ЗАПАД» ТАТЬЯНЫ НОВИКОВОЙ и МАКСИМА КИРЕЕВА.

6 Мар 11 | Новости | Ваш отзыв

Они на разных полюсах Земли. Разделены и связаны дефисом. Им прочили никогда не сойтись. Определили в разные системы — культурные и философские. Но они вместе, прочно и навсегда, как все противоположности на свете —

Восток-Запад.

Фото: Татьяна Новикова

Татьяна Новикова и Максим Киреев, взяв камеры, отправились в путь в противоположных направлениях, чтобы снова объединить Восток-Запад, на этот раз — в одном зале, где проходит выставка двух фотохудожников. В снимках Татьяны и Максима Тунис и Лондон — метафоры, олицетворение многих противоположностей: древности и современности, созерцательности и целеустремленности, традиций и новой жизни. Но вот что парадоксально — эти же противоречия можно найти в фотографиях и Лондона и Туниса. Все, что характеризует Восток, отражается и в чертах Запада.

Фото: Максим Киреев

Татьяна Новикова предпочитает черно-белую фотографию, и эта графичность, будто символизирует значение времени в ее снимках. Старинные стены умеют красноречиво молчать, но молчание можно слышать. Умение «оглушить» неожиданным ракурсом, раскрывающим суть пейзажа или фрагментом, рассказывающем больше, чем вся панорама — даже не способность, а дар — почувствовать и передать. Фактура камня или зной воздуха в ее снимках почти осязаямы. Черно-белая реальность вне времени, чья метафизическая суть подчеркнута отсутствием людей в изображениях древностей. Вид современников не отвлекает зрителя от главного понимания — эти стены и лестницы построили когда-то далекие предшественники человечества для себя, чтобы просто жить, и для нас, чтобы мы размышляли о Вечности. Одно из определений Востока — мудрость.

Фото: Татьяна Новикова

Что мы оставим после себя? Суета современных городов и шум магистралей не заглушают этот извечный вопрос. Он воплотился в неоновых сумерках и в ослепительных полднях, в изящных литых решетках, рекламных плакатах, в капителях классических колонн и непрозрачных окнах стеклянных фасадов. Максим Киреев — мастер света и тени. В одном снимке он создает картину мира контрастными силуэтами и тонкими полутонами. Но свет и тени предметов обретают новые смыслы в его работах. Призрачная реальность отражений известна только нашим современникам — жителям городов из стекла и бетона. В фотографиях Максима Киреева отражения рисуют картину противоречий и парадоксов, смешения идей и ускользающих значений, которые, возможно, будут разгаданы — когда-нибудь. Одна из присущих Западу особенностей — устремленность в будущее.

В коллекции лондонских фотографий Максима Киреева предстает особенный город, непохожий на современные мегаполисы. Лондон Максима Киреева устремлен в прошлое. Его отражения естественны, как сотни лет назад: отражение неба — в Темзе, в окнах домов, разделенных узкими улицами, где тротуары для неспешных прогулок, а старинные особняки помнят время, когда известный англичанин, с душой, оставленной в Британской Индии, опоэтизировал для современников и потомков «Запад-Восток».

Фото: Максим Киреев

Лондон Максима Киреева мистифицирует своей непринадлежностью конкретной эпохе. Как и Татьяна Новикова, Максим предпочел черно-белые снимки. Но общий выбор лишь усилил их индивидуальности : Древний Восток Татьяны еще более «состарен» сепией. Некоторым деталям своих снимков Максим подарил возможность оставаться красными в черно-белых портретах города, подчеркнув их «фирменный» лондонский акцент.

Фото: Максим Киреев

За рамки географических понятий Восток и Запад вышли еще во времена античности. С тех пор мир размышляет на тему их единства и противоречия. Но еще раньше родились многие легенды и мифы, рассказывающие одни и те же истории о мире и характерах людей. Придуманные сотни и тысячи лет назад народами, разделенными океанами, они, эти сюжеты, служат прекрасной иллюстрацией общности культур и вечных ценностей, еще раз подтверждающей парадокс — за каждым противостоянием Востока и Запада стоит огромное желание понять друг друга и быть вместе.

Одна из особенностей Востока и Запада — они составляют один мир.

Фото: Татьяна Новикова

Есть еще нечто общее, что объединяет их навсегда — солнце, встающее на Востоке, и уходящее за горизонт на Западе. Его движение можно прочитать в фотографиях этой выставки. Экспозиция оказалась очень актуальной в наше время, несмотря на то, что авторы не ставили цель придать ей политического значения, тема «Восток-Запад» так или иначе волнует сегодня всех.

Выставка фотографий Татьяны Новиковой и Максима Киреева «Восток-Запад» откроется 18 марта 2011 г. в галерее ЭСКО на Проспекте Мира д.14

Михаил Гурвич. О времени и об искусстве.

26 Фев 11 | Персоны | Ваш отзыв

Люди взрослеют, по-настоящему становясь зрелыми, когда их взгляды на жизнь начинают совпадать с родительскими. Михаил Гурвич, вспоминая горячие творческие споры с отцом, во многом соглашается с ним сегодня, со знаменитым живописцем, выдающимся мастером современности Иосифом Гурвичем.

«Он был очень непрост для понимания, — говорит Михаил о Иосифе Гурвиче, — он ставил такие сверхзадачи в искусстве, которые на поверхности не лежат. Эта особенность отличает большого мастера. Искусство опережает время, если это — настоящее искусство, и опережает намного».

Михаил Гурвич — ученик своего отца, и этот факт в художественных династиях почти всегда и большая удача для художника и вместе с тем — творческое испытание, заключенное в поисках собственного пути. Художник отражает свое время, даже если обращается к сюжетам прошедших эпох или собственной фантазии. Михаил Гурвич приверженец реалистической школы, но вместе с тем, его реализм особенный, относящий зрителя к тонкому миру впечатлений, воспомининий, чувств. Он наделяет своих моделей такими глубокими эмоциями, так трепетно относясь к их душевным порывам, что невольно верится — художнику, пишущему портрет, открывается нечто большее, чем очевидно многим.

Работы последних лет отличает особенная манера, подчеркивающая психологизм: сдержанность колорита, профессиональная «недосказанность» и некоторая зыбкость изображения, как будто краски на холсте легко и прозрачно рисуют картину какой-то особенной ситуации, особенного состояния момента, в котором ощущается неуловимое присутствие некого таинства. О состоянии внутреннего напряжения в картине сам Гурвич говорит так: «Зритель, глядя на, казалось бы, обычный сюжет, должен понимать — там в картине «что-то происходит», что-то очень важное для изображенных, и для него, зрителя тоже». Одна из работ называется «Магия», где в портрете девушки все внимание привлекают, скорее, ощущения модели, чем ее изображение. «Предчувствие» относится к тем же сюжетам, где главное — душевные переживания персонажей.

«Ангелов никто не видел. Наверное, — улыбается художник, — но я видел. Во сне. Я верю, что нас что-то ведет по жизни. Не бывает случайностей, во всем —закономерность». Картина «Бремя Человека» Михаила Гурвича — парафраз на сюжет Гойи «Сон разума», как и картина «Предчувствие». Только сон художника Гурвича, в отличии от видений Гойи, рождает красавиц.

Лида, жена и муза Михаила — модель всех его сюжетов. Ее образ узнаваем во многих картинах Гурвича. В реалистических портретах жены художника, в движениях и поворотах головы собирательных образов, в чьих тонких профилях и кистях изящных рук читаются черты любимой художником модели.

«Художник пишет себя и Вечность» — одна из любимых цитат, которую Гурвич повторяет и в отношении своего творчества. «Между хорошей живописью и плохой разница только в понимании», — говорит Михаил,— поэтому зритель тоже должен быть одарен.

В 1969 году Михаил, выпускник школы с архитектурным уклоном поступил в Московский текстильный институт на факультет прикладного искусства. В 1972 году впервые участвовал в Профессиональной выставке МОСХа. Работал в эксперемантальной художественной лаборатории Рошелк в Москве. С 1975 года — член МОСХ России. Участник 58 выставок в России и за границей. Работы Михаила Гурвича есть в собраниях музеев и в частных коллекциях в России, Украины, США, Франции, Германии, Италии, Испании, Польши.

«Для искусства нет хороших времен, — уверен Михаил, — оно само создает время… или безвременье». Искусство художник ставит на высшую ступень приоритетов и жизненных ценностей. «Самое лучшее приложение сил человека — творчество и выращивание хлеба, — говорит Михаил, — только наивные думают, что можно обойтись без первого, тогда войны, ненависть и глупость оставят человечество и без второго.

«Талант — это знание профессии и постоянная неудовлетворенность. Искусством нельзя баловаться, — уверен Гурвич, — Если служение ему несеръезно, рано или поздно, это обнаружится, и падение будет неизбежным».

В мастерской художника Михаила Гурвича. Михаил Гурвич, Александр Рябичев, Даниэла Рябичева.

Репортаж: Александра Загряжская

Александра Загряжская. КУКЛЫ ОЛИНЫ ВЕНТЦЕЛЬ В ГАЛЕРЕЕ АНАСТАСИИ ЧИЖОВОЙ.

6 Фев 11 | Новости, Персоны | Ваш отзыв

Нам кажется, что куклы похожи на людей, а она видела в людях эти светлые образы, вот почему, у ее фарфоровых творений такие одухотворенные человечные лица. Олина Вентцель – художник театра и кино создала уникальную коллекцию «От фараона до наших дней. История человечества в куклах».

Меняются эпохи, рождаются новые персонажи, но есть сюжеты, написанные на все времена. Олина Вентцель воплотила многие страницы истории и литературы. Ее персонажи, интересные каждый сам по себе, составляют мизансцены, в которых можно прочитать и судьбы и характеры героев. Выражение фарфоровых лиц поражает. Их обладатели, безусловно, счастливы. С легкой руки художницы, эти персонажи живут в самых светлых своих мечтах и воспоминаниях. Их чувства передаются зрителям. Есть особенный дар художника – делать мир прекраснее и добрее, стирать грань между реальностью и чудом.

Олина Вентцель о кукле «Снежная Королева»:
«Она, в общем, такая у меня не злая, потому что, я считаю, виноваты тролли, которые ей сердечко заморозили, и она все время тянется к людям. Я считаю, что кто-нибудь над ней поплачет, льдинка выскочит, и она хорошенькой крестьянской девочкой вернется к людям и будет дружить и с Каем, и с Гердой».
Сюжет о Снежной Королеве знают во всем мире. В рождественские дни он популярен особенно. Впрочем, у Андерсена есть еще одна рождественская история о маленькой сироте, замерзшей в новогоднюю ночь под окнами богатого дома. Именно эта сказка, — считала Олина Вентцель, — могла бы стать символом того, что в рождественские дни сердца должны быть особенно открыты, а души щедры.
Со всей щедростью своей души Олина Вентцель делилась с миром своими знаниями и талантом. За двадцать лет ей удалось создать поистине музейную коллекцию. Ее куклы очень скоро обрели известность в художественном мире. Москва, Нью-Йорк, Гавайи, Париж, Голландия, Дания – везде, где появлялись ее персонажи, оставались незабываемые впечатления. Некоторые куклы поселялись в странах, где проходили выставки, подаренные Олиной Вентцель королеве Дании, Мирей Матье, известным музеям и новым друзьям художницы, приобретенные в музейные и частные коллекции.

В ряду сказочных героев, персон прошлого и современности – великие актеры и деятели театра. Долгое время Олина Вентцель сама служила театру и кино. Только кукольных спектаклей в ее творчестве было двадцать восемь. Театр был в ее генах. Маленькая Олина посещала классы балетной школы. В ее детстве были и старинный рояль, и уроки с тетей – знаменитой певицей, и замечательные книги и, конечно, куклы. Она предпочла быть не принятой в пионеры, не от любимой куклы не отреклась, как того требовала советская традиция. И этот волшебный мир, которому она была так предана всей душой, с благодарностью открыл ей свои самые сокровенные тайны. И дело не в особенном взгляде глаз, написанных по законам живописи, не в подвижности тел, созданных по собственной технологии автора, а в особенном отношении художницы к ее персонажам.

Олина Вентцель всегда мечтала, чтобы ее куклы обрели настоящий кукольный дом, и этим домом – открытым и гостеприимным стала галерея Анастасии Чижовой. С появлением нового дома началась новая жизнь коллекции.
Фото: галерея Анастасии Чижовой (С)