СКУЛЬПТОР ВАЛЕРИЙ КРАВЧЕНКО: «Природа — венец всего. Нет ничего выше ее творений…»

В мастерской Валерия Кравченко

Даже короткое общение со скульптором Валерием Кравченко становится запоминающимся событием. Он не только талантливый скульптор, но и интересный рассказчик, сам открытый для всего нового с удовольствием делится своими впечатлениями в искусстве, и его собственная увлеченность захватывает и собеседника — об известных мастерах Кравченко рассказывает так, что их жизнь и произведения предстают неожиданно в новом свете. И в этом, возможно, проявляется его многолетний опыт творческой работы с детьми, которых он обучает искусству керамики, живописи, скульптуры, ландшафтной архитектуры, и которым он непременно спешит рассказать обо всем, что увлекает его самого в искусстве.

Валерий Кравченко с восторгом отзывается о фантастических проектах культовой британской леди-архитектора Заха Хадид, искренне восхищается работами своих коллег-современников, и древней эстетикой японских садов, которая читается и в его собственном творчестве, воссоединившем гений природы и таланты мастера. К натуральным материалам — глине, камню, дереву Валерий относится с особенным благоговением, и этот пиетет еще более одухотворяет созданные им скульптуры.

Валерий Кравченко. Выставка лето 2011г.

«Я стараюсь сохранить каждую трещинку дерева, каждый рисунок фактуры, обыграть, а не скрыть то, что может показаться неидеальной поверхностью», — говорит скульптор, и это всегда помогает его идее приблизить зрителя через воплощенные образы к проявлениям совершенства природы. Несмотря на опыт, новая работа — всегда волнение. «Делаешь первый удар по дереву, — признается Валерий, — «и понимаешь, что не имеешь право на ошибку, испортить — это преступление. Каждый раз помнишь, что природа — венец всего. Нет ничего выше ее творений».

В скульптурной мастерской Валерия Кравченко в центре Москвы переступающего порог гостя встречают персонажи уникальной коллекции скульптора, созданные им в бронзе, из дерева, керамики, и напоминающие о том, что у каждого из нас всегда есть замечательная возможность отвлечься от шума и проблем мегаполиса хотя бы на время, созерцая прекрасное, и что современный мир суетный и жесткий еще сохраняет свою бесценную душу, благодаря искусству и творчеству.
За окном видится сад, который Валерий Кравченко мечтает превратить в сад камней и скульптур, чтобы сделать этот уголок природы перед окнами своей мастерской еще одной достопримечательностью города.

ВАЛЕРИЙ КРАВЧЕНКО. В МАСТЕРСКОЙ СКУЛЬПТОРА, ЗИМА 2012 г. ВЫСТАВКА В МУЗЕОНЕ, ЛЕТО 2011, ПРОИЗВЕДЕНИЯ СКУЛЬПТОРА ВАЛЕРИЯ КРАВЧЕНКО


Далее

НАДЕЖДА КУЗНЕЦОВА. ПЕРСОНАЛЬНАЯ ВЫСТАВКА В МУЗЕЕ «САДОВОЕ КОЛЬЦО». Адрес: Проспект Мира, д. 14 (до 28 января)


Далее

СЕРГЕЙ ОРЛОВ. «НЕ ПЕРЕСТАВАЯ УДИВЛЯТЬСЯ. ВЛАДИМИР ЕФИМОВИЧ ЦИГАЛЬ И УЧЕНИКИ»

Образ Академической творческой мастерской скульптуры под руководством ВЛАДИМИРА ЕФИМОВИЧА ЦИГАЛЯ сопоставим с произведением одного из самых оптимистичных его учеников — СЕРГЕЯ СЕРЕЖИНА «БЕГ ЛЕОНАРДО» (2005). Неутомимый, неугомонный Леонардо в пути, в движении, в непрестанном поиске новых открытий, новых изобретений, новых встреч с тайнами природы и материи. Его сверхвелосипед опережает время, мчит творца к далеким неисследованным горизонтам.
Мастерской скульптуры исполнилось 20 лет, и «Горизонт Леонардо» стал еще более всеохватен, всеобъемлющ и притягателен.
Создание Академической творческой мастерской скульптуры под руководством Цигаля — явление закономерное и значимое в истории отечественной скульптуры. Ученик Домогацкогго, Шадра, Матвеева, Цигаль передает другим поколениям и другой эпохе традицию русской скульптурной школы. Суть в том, что искусство скульптуры осознается не только как профессия, но как призвание, служение, миссия. Это неотъемлемая часть жизни и внутренняя необходимость.
Владимир Ефимович Цигаль — свидетель и участник великих и трагических исторических событий. Его характер, жизненную и творческую позиции сформировала Великая Отечественная война. Искусство Цигаля в высшей степени автобиографично, главными темами его творчества стали жизнь и смерть, судьба и провидение, страдание и сострадание, мужество и самопожертвование.
Владимир Ефимович Цигаль родился 17 сентября 1917 года в Одессе, в 1927-1930 гг. учился в пензенской школе, в 1930 переехал в Москву, в 1937 поступил в Московский государственный художественный институт имени В.И. Сурикова, на факультет скульптуры. его учителями были выдающиеся скульпторы Иван Шадр, Владимир Домогацкий, Александр Матвеев.
В 1942 году, с дипломного курса института Цигаль добровольцем ушел на фронт, до 1944 года служил во флоте в качестве военного художника. Участвовал в высадке десанта в Новороссийск и Керчь, в боевых операциях Черноморского и Балтийского флотов.

После войны, в 1948 году окончил Суриковский институт по мастерской Р.Р.Йодко.
На многие годы главной, решающей стала для художника тема Великой Отечественной войны, с ней связаны основные монументальные работы, ей посвящены многие станковые скульптуры и графические серии.
В скульптуре «Военный художник» (2000) Цигаль создал свой автопортрет военных лет, автопортрет-воспоминание. Художник балансирует на взрывоопасном пьедестале — взрывной мине. В его руках блокнот и карандаш. Он делает быструю документальную зарисовку с натуры. Художник вступает в спринтерский поединок с чрезвычайными, непредсказуемыми, угрожающими обстоятельствами.
Эта скульптура — одновременно и метафора и яркий, неопровержимый документ времени. В своей автобиографической книге «Не переставая удивляться…Записки скульптора» (1986) Цигаль с поразительной силой, почти физически ощутимой достоверностью воссоздал страшные и героические картины штурма новороссийского плацдарма в феврале 1943 года. События, участником которых выпало стать Цигалю, воссозданы по дням, часам и секундам, ибо в непрерывной ожесточенной схватке все решают секунды.

Торпеда и мина стали для Цигаля не абстрактными, но реальными символами смерти. Вот поразительный эпизод: художник на боту тральщика, перевозящего раненых бойцов с огненного новороссийского рубежа в Геленджик, и, как бывает во сне, почти касаясь борта, прошла торпеда. «И я увидел смерть. Она быстро проскользнула темной тенью. Бесконечно длинная и темная/…/ «Вся жизнь на войне, как запутанный сложный лабиринт, — пишет художник. — Где то пространство между вилками пулеметных очередей и дождем смертоносных соколков, в котором можно остаться живым, не сделав только один лишний шаг в сторону, вперед или назад, шаг, который станет роковым?»
В Геленджике Цигаль рисовал матросов весь день по пятнадцать-двадцать минут. Рисунки предназначались для газеты «Красный Черноморец», для листовок и для самих бойцов, которые посылали свои боевые портреты родным. «Ну запиши меня в историю!» — сказал один из матросов. В Новороссийске Цигаль рисовал в полуразрушенных строениях, рядом сидели и лежали раненные бойцы, вокруг свистели и разрывались снаряды.

За годы войны художник сделал более 600 фронтовых рисунков. Большая часть из них ныне хранится в военных музеях в Новороссийске и Геленджике.
Создавая в 1960-1980-е годы монументы героям Великой Отечественной войны, Владимир Ефимович, по его словам, призывал в помощники не только свой опыт, способности, чувства, все силы, но и память.
Цигаль создал ряд мемориальных ансамблей, посвященных Великой Отеественной войне: — памятник жертвам фашизма в Маутхаузене, совместно со скульптором Львом. Кербелем (1957г.); — мемориал советско-польсого боевого содружества (1967, Белоруссия); — мемориальный комплекс «Героям гражданской войны и Великой Отечественной войны 1941-1945 гг.) в Новороссийс ке (1977-1982, архитекторы Я.Б.Белопольский, Р.
Г. Кананин и В.И. Хавин).
Эти ансамбли стали неотъемлемой частью монументального искусства XX столетия. Не менее значимы и портретные памятники героев Великой Отечественной войны: — памятник Герою Советского Союза генерал-лейтенанту Д.М.Карбышеву в бывшем немецко-фашистском концлагере в Маутхаузене (1962, Австрия); — Герою Своетского Союза Мусе Джалилю в Казани (1966); -генарлщ-лейтенанту Д.М. Карбышеву в Москве (1980); — Рихарду Зорге в Москве (1985), и в Баку (1981). «Разные люди, разные судьбы, по-разному они жили, боролись, по-разному встретили смерть. Для истории это уже не генерал, офицер или солдат, а люди, ставшие совестью поколений. И моей мечтой было возвращение их в строй в мраморе, бронзе, граните» — говорит художник.
Создание монументального портрета — это тоже поединок, наряженная внутренняя интеллектуальная борьба за рождение и торжество лучшего, правдивого, документального, психологически мощного образа. Мучительный вопрос — каким должен быть монументальный портрет генерала Дмитрия Карбышева.
Цигаль долго искал образ и понял, что Карбышев должен быть красив и драматичен в своем великом подвиге, красив и величествен перед своими мучителями и страшен для них силой своего духа. «Должен олицетворять мужество и красоту сотен и тысяч людей, которые боролись и безвестно погибли. Он должен быть таким, и я абсолютно уверен, что он был таким.
Пусть он твердо стоит на ногах, стиснув руки и кубы, величественный и сильный, пусть он навечно останется стоять, как символ мужества, бесстрашия, несгибаемой воли. Пусть он будет символом для живых.»
Цигаль убежден, что нельзя втискивать в каноны прошлого (фигура на постаменте в соотношении один к одному) всех тех, кому сооружаются памятники. Герои, Которым возводят памятники, внесли что-то важное, значительное, неповторимое в нашу жизнь. И недостаточно видеть их различие только в портрете, в движении или одежде. Ординарность композиции всегда нивелирует это различие!

СЕРГЕЙ ОРЛОВ. «Не переставая удивляться. Владимир Цигаль и ученики».


Далее

«ВИДЫ НА КРЕМЛЬ». Новый выставочный зал в Москве.

Геологический Музей им. В.И. Вернадского превратил свой Колонный зал с прекрасными видами на Московский Кремль в площадку для художественных экспозиций и музыкальных проектов. В эти дни в Музее проходит выставка русских художников — классиков и современников, объединенных жанром городского пейзажа и любовью к Москве, к истории города и России.

ЮРИЙ МАЛЫШЕВ, директор Геологического музея им. В.И. Вернадского: «Музей начался более 250 лет назад с коллекции уральских заводчиков Демидовых, подаривших Университету свое богатое собрание уникальных минералов, на образцах которых еще учился Ломоносов. Меценаты и сегодня поддерживают Музей, и благодаря их участию Музей не только пополняет коллекцию, но и преображается. Появление этого выставочного зала — продолжение традиций».

Наши современники живут в интересное для творчества время, когда искусство развивается во многих направлениях и стилях. Но, не смотря на бурную художественную жизнь в Москве, выставочных площадок не хватает, чтобы представить все разнообразие произведений современных мастеров. Вице-президент Творческого союза художников России живописец Евгений Ромашко представил в этой экспозиции несколько работ.

ЕВГЕНИЙ РОМАШКО, вице-президент ТСХР: «Меня всегда вдохновлял Каналетто, который прославил свой город в своих картинах, и с тех пор путешественники и современные туристы стремятся увидеть Венецию во многом благодаря этому художнику. Москва не менее живописна и так же вдохновляет, и я как и многие другие художники каждый год пишу несколько картин с видами Москвы. Некоторые из них — на этих стенах».

Теперь наряду с возможностью увидеть постоянную экспозицию, а так же тематические и научные выставки Геологического Музея, посетители могут знакомиться в его стенах с художественной и музыкальной культурой.

ОЛЬГА ДЬЯЧКОВСКАЯ певица, лауреат международных конкурсов: «В следующем году Музей открывает масштабный проект, в котором музыка и изобразительное искусство будут представлены в картинах старых мастеров, молодых и известных художников, а так же лучших музыкантов столицы. Колонный зал Геологического музея имеет прекрасную акустику, все жанры музыкального искусства войдут в предстоящий на площадке музея художественно-музыкальный фестиваль — от барочной музыки до самых современных молодежных пристрастий. Тематические вечера от барокко до рока — так называется наш музыкальный фестиваль, который планируется проводить в стенах Музея».

Особенной достопримечательностью этой выставки являются картины великих русских художников начала ХХ века-Василия Кандинского, Любови Поповой. Подобная возможность увидеть произведения выдающихся мастеров из частных коллекций явление исключительное уже потому, что большинство работ хранящихся в частных собраниях зачастую бывают скрыты не только от глаз широкой публики, но и выходят из поля зрения искусствоведов.

Выставка «Виды на Кремль» иллюстрирует вечный поиск художников, объединенных во все времена устремленностью к гармонии в искусстве и представлениями о прекрасном.
Экспозиция продлится до 27 декабря.


Далее

Интерактивная мультимедийная выставка That’s Opera!

Москва встречает мировое выставочное турне проекта That’s Opera! с ноября 2011 года по апрель 2012 года в Государственном центральном музее музыкальной культуры имени М. И. Глинки (ул. Фадеева, 4).
Вернисаж состоится 17 ноября в 18.00

Министерство культуры РФ, Государственный центральный музей музыкальной культуры имени М. И. Глинки, музыкальное издательство RICORDI (Милан) представляют российскую премьеру известного международного проекта That’s Opera!
Интерактивная мультимедийная выставка That’s Opera! крупнейшего музыкального издательства Италии проходит в формате мирового турне с 2008 года. Москва станет единственным российским городом, жители и гости которого смогут совершить незабываемое путешествие в пленительный мир итальянской оперы.
Показ проекта издательства RICORDI в российской столице именно в этом году не случаен и как нельзя лучше вписывается в рамки года культурного обмена Россия — Италия. Ведь опера — это вид искусства, который по праву считается визитной карточкой итальянской культуры.
Выставка That’s Opera! приглашает погрузиться в мир оперных страстей, знакомит с тем, как рождается спектакль, как он живет, развивается, а затем остается в истории.

Выставка в Музее музыкальной культуры им.М.И.Глинки

Контактные лица (ГЦММК им. М.И.Глинки):
Елена Давыдова 8 916 043 94 13
Мария Григораш 8 916 589 02 09
Аккредитация СМИ по тел.: (495) 739 6226, доб. 166
e-mail: glinka.museum.pr@gmail.com
pr@glinka.museum


Далее

22 НОЯБРЯ В МАРХИ ОТКРОЕТСЯ ПЕРСОНАЛЬНАЯ ВЫСТАВКА ПРОФЕССОРА ВИКТОРА ОРЛОВСКОГО

На ранних этапах творчества у него находили много общего с Леонардо Да Винчи и Пикассо. Позднее его называли российским Дали и наследником Щусева. Но возможно главным его достижением является создание в наше неоднозначное время принципиально нового направления в искусстве – Космопластицизм. Его работы, выполненные на холсте и бумаге, обращены в будущее. Это своего рода проекты грандиозных космических инсталляций, которые реализовать в натуре возможно только при мощных технологиях будущего, в условиях активного освоения космоса. Возникновение космопластизма в искусстве очевидно возможно только на стыке фундаментальных человеческих сфер архитектуры и искусства.

Как известно, архитектура – это зеркало цивилизации, искусство – ее душа. Бывают эпохи, когда архитектура и искусство меняются местами (как это было в начале двадцатого века) либо органично сливаются (к примеру в эпоху ренессанса). Именно в силу того, что профессор В.Ф. Орловский работает в сфере архитектурной практики и в сфере искусства, здесь на стыке этих профессий и сформировалась авторская концепция космопластицизма. В дальнейшем педагогическая деятельность в архитектурном институте позволила осмыслить космопластицизм в свете истории развития эстетических доктрин, осознать ценность масштаба и эстетики новых грандиозных пространств в искусстве 21 века. Искусство и архитектура на протяжении всей истории развития нашей цивилизации в своих лучших образцах создавали идеальные модели, на которые ориентировалось общество в своем развитии. В архитектуре это всевозможные трактаты, архитектурные фантазии, поисковые проекты идеальных объектов – храмов, городов(Альберти, Палладио, Пиранези, Булле, Леду, Корбюзье). В искусстве – произведения ориентированы на гармонию и духовные качества человека. Это картины Рафаеля, Леонардо Да Винчи, Караваджо, Тициана и многих других крупнейших художников.

В этих работах великих художников и архитекторах всегда присутствует мечта человечества, некая идеальная модель будущих цивилизаций. В двадцатом веке произошло резкое расширение границ искусства:
абстрактное искусство (Кандинский), супрематизм и неопластицизм (Малевич, Мондриан), хайтек в архитектуре, сюрреализм, метафизика и т.д. Но именно в 21 веке произошел качественный скачок в науке и технологиях, приведший к новому осознанию пространства в искусстве и архитектуре.

Профессор В.Ф. Орловский сформулировал 6 основных тезисов космопластизма:
1. Космический масштаб как феномен пространства 21 века, как новое измерение интеллектуальной пластической идеи космоса (от всепоглощающих градостроительных мегаполисов на земле, до фантастических новых пространств вселенной).
2. Искусство чистых форм, как синтез сложной пластической структуры космоса (от еометрических абстракций Платона до сверхподвижных пластичных форм новых технологий 21 века).
3. Макрокосмос в микрокосмосе и микрокосмос в макрокосмосе, как большое в малом и малое в большом (в малом элементе, будь то элементарная частица, капля pосы, лист дерева и т.д., всегда незримо присутствие космоса, как неотъемлемого качества произведения).
4. Направленный футуризм, устремленность в будущее как главная составляющая творчества (произведение искусства – произведение будущего).
5. Тайна мироздания как вечный двигатель, скрытый магнит, источник познания (в истинном произведении искусства всегда присутствует тайна).
6. Индивидуум как Творец, провокатор будущего, общественный раздражитель, стимулирующий развитие (человек — творец в центре вселенной, современные технологии, субъективное, личное творчество мгновенно превращают из частного во всеобщее, в универсальное, прекрасное, радикально меняющее всеобщее мировоззрение).
И масштабная программная композиция, и этюд земного пейзажа с деревом и озером, и зарисовки раковины или капли росы — все эти формы приобретают новые качества в свете космопластицизма как философско-эстетической всеобщей человеческой идеи гармонии мира.

Космопластицизм – это принципиально новая в искусстве философия, отражающая поиски гармонии и красоты в новом масштабе, в современных условиях развития земной цивилизации.
На выставке будут представлены различные этапы творчества В.Ф. Орловского. Это картины, проекты космических инсталляций, композиции, архитектурные фантазии, пленер, этюды, акварели, графика разных лет, а так же последние проекты и постройки культовых сооружений храмов, церквей и часовен.
На выставке так же будет представлен 1-ый за прошедшее столетие с 1917 г. архитектурный проект монастыря-мемориала, посвященного уже современному трагическому событию в новейшей истории России — битве в первые годы Великой Отечественной войны 1941 г. под Вязьмой, известной как «Вяземский котел», где погибло огромное количество наших соотечественников, но благодаря их мужеству и стойкости было выиграно время для укрепления Москвы и здесь же был осуществлен локальной прорыв наших войск. «Русской Голгофой» назвал Митрополит Кирилл эти события.
В активе профессора В.Ф.Орловского премии и дипломы за архитектурные проекты и художественные работы. Его произведения находятся в музеях и многочисленных частных коллекциях России и за рубежом (во Франции, Голландии, Германии, США, Японии др. стран).

ВЕРНИСАЖ ВЫСТАВКИ ЗАСЛУЖЕННОГО АРХИТЕКТОРА РОССИИ, ПРОФЕССОРА ГОСУДАРСТВЕННОЙ АКАДЕМИИ МАРХИ, ПРОФЕССОРА МЕЖДУНАРОДНОЙ АКАДЕМИИ АРХИТЕКТУРЫ, ЧЛЕНА МОСКОВСКОГО СОЮЗА ХУДОЖНИКОВ И АРХИТЕКТОРОВ ВИКТОРА ФЕДОРОВИЧА ОРЛОВСКОГО СОСТОИТСЯ 22 НОЯБРЯ В СТЕНАХ МОСКОВСКОГО АРХИТЕКТУРНОГО ИНСТИТУТА.



Далее

Галерея «Культпроект» представляет выставку «Монументы». Валера и Наташа Черкашины.

Из статьи кураторов галереи «КУЛЬТПРОЕКТ» ЮЛИИ МАНУСЕВИЧ И ИРИНЫ СОЛНЦЕВОЙ:

«Валера и Наташа Черкашины — художники-исследователи, накопившие значительный опыт прикосновения к пространствам больших городов и мегаполисов, культурных центров и столиц, расположенных в различных климатических и политических поясах. Галерея представляет московской публике результат их многолетних исканий, нашедший отражение в непрерывно развивающемся с 2008 г. проекте «Монументы». Основой, как бы отравной точкой замысла явились акварели, выполненные еще в 1985-1986 гг.. Они построены на тончайших отношениях монохромного письма с достаточно сильными свето-теневыми контрастами, где свет работает подобно софиту, ставя акценты на персонажах этих графических листов. Художники создали небывалые, невозможные, удивительные сюжеты, в которых возникают памятники людям и ситуациям, привлекшим их внимание».

ВЫСТАВКИ ГАЛЕРЕИ «КУЛЬТПРОЕКТ» ОТЛИЧАЮТСЯ ЦЕЛЬНОСТЬЮ И ОПРЕДЕЛЕННОСТЬЮ ТЕМ, СРЕДИ НИХ КНИЖНЫЕ, МУЗЫКАЛЬНЫЕ, ТЕАТРАЛЬНЫЕ И ДРУГИЕ ПРОЕКТЫ, ПРЕДСТАВЛЕННЫЕ ЖИВОПИСЬЮ, СКУЛЬПТУРОЙ, ГРАФИКОЙ И ОБЪЕКТАМИ, В СОПРОВОЖДЕНИИ АРХИВНЫХ ЗАПИСЕЙ, ВИДЕО-ИНСТАЛЛЯЦИЙ,ИНТЕРАКТИВНЫХ ЭЛЕМЕНТОВ.
ПО ЗАКАЗУ ГАЛЕРЕИ БЫЛИ СДЕЛАНЫ ВИДЕО-ИНСТАЛЛЯЦИИ К ВЫСТАВКАМ ТОНИНО ГУЭРРА «МЕД ОСЕНИ», ВЫСТАВКЕ ОФОРТА «НЕЗРИМЫЕ ГОРОДА» ПРОСТРАНСТВО ГИПЕРТЕКСТА», ДОКУМЕНТАЛЬНЫЙ ФИЛЬМ «ЮРИЙ КУПЕР.КАРМЕН» и другие. ГАЛЕРЕЯ «КУЛЬТПРОЕКТ» СОТРУДНИЧАЕТ КАК С КРУПНЫМИ МАСТЕРАМИ АРТ-СЦЕНЫ, ТАК И МОЛОДЫМИ ТАЛАНТЛИВЫМИ ХУДОЖНИКАМИ.

Валера и Наташа Черкашины с куратором галереи "Культпроект" Ириной Солнцевой

Даже искушенные в новейших технологиях профессионалы, всматриваясь в фотокартины Валеры и Наташи Черкашиных, задаются вопросом: «как они это делают?» Сложное многослойное изображение, где очертания фигур и предметов перетекают из одного в другое, создают интригующую динамику происходящего и тем самым, опровергают свойство фотографии, как застывшего мгновения. В стремительном ритме жизни, наши современники на снимках Валеры и Наташи продолжают движение в разных городах земли, в разных концах планеты, навсегда вошедшие в историю большого художественного проекта «Монументы».
«Когда мы начинали эту серию, — говорят авторы, — мы думали, что мы начнем снимать людей, и они будут все одинаковы, но оказалось, что именно люди создают особенную атмосферу города, объединенные одним временем, одетые в современную одежду — они остаются разными, и даже солнце в каждой стране – разное и оно сразу же все меняет. Рим – это Рим, Лондон – Лондон. Мы снимали на улицах, с узнаваемой архитектурой, и так совпадало, что большинство снимков людей в разных городах мира были сделаны на фоне зданий Нормана Фостера, и мы поняли, что даже не архитектура делает уникальным город, а именно люди».

Несколько лет Валера и Наташа Черкашины создают глобальный портрет современников. В городах, где живут миллионы жителей они снимают фоторепортажи по несколько часов в день, выбирая в потоке людей персонажей своих будущих работ. Эти художники никогда не назовут массу людей безликой толпой. Каждый из незнакомцев для иностранцев Валеры и Наташи становится близким человеком, ставшим центром их снимка.

Валера Черкашин: «Когда я для снимка выбираю из толпы кого-то одного, чем то меня поразившего простого человека, он для меня как представитель своего города, мне кажется, что за ним стоит история всех тех, кто идет рядом с ним по этой улице, и он, как самый «представительный» в ответе за них, и поэтому фигура человека, которого я снимаю, я чувствую, как набирается энергией мощной, это внутренне мое ощущение во время съемки».

На каждой из своих выставок, Валера и Наташа появляются «в образе». Их внешний вид продолжает экспозицию и превращает в перфоманс уже одно появление авторов. В этот раз Наташа поразила воображение своим костюмом.

Наташа Черкашина: «Мой костюм — моя давняя идея, мы знакомы с удивительным человеком Вилли Мельниковым, который знает больше ста языков, при том не только современных, но даже «мертвых». Он стихи пишет даже на тех языках, на которых наши современники уже не разговаривают. На моем костюме он написал прекрасные строчки таких стихов, вот (достает листок) «Откровение водопада — лишь старание богов скрыть их вглядывание в тебя». Это написано на фарси, есть американский английский, тибетский, форси, староисландский, все что он изобразил на костюме, он записал аккуратно на листке — что написано на правом рукаве, что на левом, я ношу этот листок с собой и читаю».

Наташа Черкашина в костюме с написанными на ткани стихами Вилли Мельникова

«На выставках, мне кажется, — говорит Валера Черкишин, — должен быть уголок для взрослых, чтобы они могли выразить себя и доиграть то, что не доиграли в детстве. Взрослые — те же дети, это мы меряем здесь возраст — годами, а для вселенной наш возраст вообще ничего, мы может быть и не вырастаем за это время, за 60 или даже за 100 лет человек ничего не приобретает, ну очень мало, исключение — религиозные люди, верующие православные или тибетские монахи, у них время по-другому течет, но это — избранные, а мы – обычные люди проживаем на земле очень маленькую жизнь с маленьким опытом, рождаемся детьми, и умираем детьми».

В одном из залов галереи Черкашины создали такую игровую комнату, где каждый из зрителей мог выбрать из любых предложенных предметов атрибуты для собственного памятника и запечатлеть свой образ для архива проекта «Монументы».

"Монумент" -- инсталляция с участием авторов выставки


Далее

ДАНИЭЛА. Творческая мастерская Рябичевых. Выставка ЛЕТНИЙ ПЛЕНЭР. 8 926 524 12 47


Далее

Галерея «Александр» мастерская Рябичевых» поддерживает творческую молодежь.

Дмитрий Ежов. Интервью куратору выставки Софии Загряжской

Галерея «АЛЕКСАНДР» ТВОРЧЕСКАЯ МАСТЕРСКАЯ РЯБИЧЕВЫХ, Выставочный зал «КОЛОРИТ» на Малой Дмитровке представили выставку молодого талантливого фотографа ДМИТРИЯ ЕЖОВА.
Куратор СОФИЯ ЗАГРЯЖСКАЯ.

Экспозиция представила работы автора, объединенные названием «FOREVER YOUNG». Фотографии в стиле репортаж, Fashion, Портрет, Life style рисуют картину мира современной молодежи. «Я стараюсь снимать так, чтобы за кадром читалась целая история, и чтобы зритель ее чувствовал, — говорит в интервью фотограф, — одинаково люблю и постановку и случайные снимки. Всегда стараюсь брать с собой камеру каждый день, когда выхожу из дома. Мир вокруг наполнен сюжетами». Дмитрию девятнадцать лет, но несмотря на свой возраст, он — участник многих профессиональных фотосессий.

Выставка Дмитрия Ежова в галерее "Колорит" на Малой Дмитровке

В рамках фотовыставки от лейбла «Invisible Hand Distribution» на спортивном и культурном празднике «Streetball Competition II» летом 2011 года прошла экспозиция работ Дмитрия Ежова.
Из интервью корреспонденту сайта www.pokolenie-ru.com

ДМИТРИЙ ЕЖОВ, фотограф: «До этого времени у меня не было мыслей заниматься фото, так как я болел уличным искусством граффити. Очень долгое время посвящал рисованию на стенах, но однажды понял, что я совсем не художник, просто не умел передать картинку, которая появлялась у меня в голове. Мне хотелось достичь в граффити многого, и я достиг большей части желаемого.

Фотография Дмитрия Ежова

После этого я пытался найти для себя новые художественные формы. Сложно представить самому себе, что до приобретения собственного фотоаппарата я держал камеру в руках всего пару раз, да и то не свою.

Не помню, когда первый раз мне дали камеру и я сделал первый снимок с идеей, но именно в тот момент в моём сознании произошла вспышка, и я понял, что хочу этим заниматься. Позже осознал, что фотография – это как картина, и в изображении можно передать множество чувств и эмоций.

Я нигде не учился фотографировать. Единственное, что мне показали и объяснили – что такое диафрагма и выдержка. В остальном догадывался сам, смотрел на работы других фотографов, некоторым подражал, а у некоторых учился. Фотограф Святослав Пономарёв говорит, что учиться фотографии можно, сразу фотографируя, то есть занимаясь наблюдениями и развивая внимательность, после съёмки отбирая лучшие кадры.

София Загряжская, проект "FOREVER YOUNG" фотографа Дмитрия Ежова в галерее "Колорит"

Я всегда хотел делать на уровне тех фотографов, которым подражал, или даже лучше, но всегда ценил кадры, найденные самостоятельно. Конечно, мне приходилось много читать о фотографии, свете, постановке и многом другом… Много практиковал, экспериментировал, постоянно были идеи и вдохновение. До сих пор не могу найти себя в фотографическом жанре, так что фотографирую в нескольких жанрах сразу, обычно провожу съемки девушек, единственным исключением из мужчин, попавшихся мне в объектив, были друзья.

С конца 2009 года мне довелось снимать молодую музыкальную группу “Deitery”, я был их штатным фотографом до сентября 2010 года, помимо этого я снимал концерты групп «Комната» и «Смех». В августе 2009 года был аккредитован как фотограф на «Adrenalin Games», а в январе 2012 года – на сноубордический фестиваль «Скользяк». Я несколько раз участвовал в проекте «Graffiti on Girls» в качестве фотографа. Спустя год занятий фотографией в августе 2010 года я сделал персональную фотовыставку под названием «Forever Young». Выставка проходила в одной из галерей в центре города Москвы».

По материалам сайта
www.pokolenie-ru.com

Галерея «Александр»
Творческая мастерская Рябичевых
Выставочный зал «Колорит» Малая Дмитровка 24/2


Далее

ДАРЬЯ СУРОВЦЕВА. «Репетиция утверждений». Выставка в Мемориальном музее-мастерской С.Т. Конёнкова

Московский музей современного искусства открывает новую выставочную площадку в историческом центре Москвы – Мемориальный музей-мастерскую С.Т. Конёнкова. Музей-мастерская был открыт в 1974 году и обладает одним из самых крупнейших собраний скульптуры Коненкова в нашей стране. Теперь музей также открыт для экспонирования произведений молодых русских художников.
Первая выставка, организованная в пространстве Музея-мастерской С.Т. Конёнкова, открывается в рамках программы «Дебют». Эта программа, курируемая Школой современного искусства «Свободные мастерские», уже 5 лет открывает новые имена в русском искусстве. На этот раз «Дебют» представляет художника Дарью Суровцеву, дочь скульпторов Елены и Владимира Суровцевых, больше известную заграницей, чем в России.

Дарья Суровцева закончила отделение керамики Академии имени С.Г. Строганова, стажировалась и работала свободным художником на знаменитой Севрской фарфоровой мануфактуре (Manufacture nationale de Sevres). Это во многом определило вектор художественного развития художника: ее основным материалом является фарфор в сочетании со стеклом, бронзой, мрамором и легким пластиком. Скульптуры Суровцевой воплощают абстрактные метафоры, напоминающие замысловатых существ или космические биоформы. Основной чертой ее творчества является космичность. При этом инсталляции художника предельно женственны: ирреальность художественных фантазий в них слита с чувственностью и лиричностью.

Сама Суровцева в своем творчестве отводит особую роль акту Иллюза, феномену, который художник характеризует следующим образом: «памятник призрачному акту Иллюза — внутреннему сокровенному эмоциональному действу, которое существует, не имея четких названий, цели и направленности, а лишь в качестве стойкого желания Быть».


«Репетиция утверждений» — выставка работ, созданных Суровцевой за последние три года. В экспозицию вошла серия скульптур под названием «Иллюз №» — манифест художественному видению Суровцевой: объекты из этой серии, пластичные скульптуры из фарфора в сочетании с легкими материалами, воплощают идею о призрачности существующей действительности, в которой именно иллюзии становятся по настоящему реальными. Этой выставкой Дарья Суровцева подводит итог определенному этапу своего творческого пути, этапу, который был репетицией перед настоящим выступлением.

Дарья Суровцева является членом Московского Союза Художников, Московского Союза Дизайнеров, Дома Художников (Maison des Artists) в Париже, участницей многочисленных выставок в России, Австрии, Бельгии, Франции, Корее, Венгрии. Произведения находятся в собраниях Московского Музея Актуального Искусства (Art4ru), частных коллекциях в Бельгии, Кореи, Франции.

Информация предоставлена пресс-службой ММСИ.


Далее